Além de Djalma havia outros personagens como o Djalminha, um garoto problemático; Siliano Siliano (interpretado por Oscar Pardini da trupe Café com Bobagem); um professor de inglês, o Diretor da rádio, conhecido apenas como “Diretor”; o Chefe Bródi, membros da família Brown Brown, Professor Talaco, e Carlos.

Alguns dos melhores episódios podem ser ouvidos no site: http://radiofobia.com.br/tag/djalma-jorge/

Stephen King - Tudo é eventual

Stephen King

Tudo é eventual

Ano de lançamento: 2002

Stephen King é reconhecido como um dos mais notáveis escritores de contos de horror fantástico e ficção de sua geração. Seus livros foram publicados em mais de 40 países e muitas das suas obras foram adaptadas para o cinema.

Stephen King

Tudo é eventual reúne 14 contos independentes, tendo como base situações que acontecem através de uma cadeia de eventos e que mudam a vida de um individuo. Antes ou depois de cada conto, o autor colocou uma nota explicativa mostrando sua fonte da inspiração.

Destaque para os contos: As Irmãzinhas de Eluria: que aborda a jornada de um Pistoleiro em busca da Torre Negra, com personagens obscuros e uma história envolvente. É mais como uma extensão da série “A Torre Negra”, narrando eventos anteriores ao primeiro livro.

Tudo É Eventual: conto que deu título a coletânea, narra a história de Dink, um jovem que recebe uma proposta de emprego irrecusável, mas posteriormente descobre a verdade por trás de tudo através de situações inesperadas do que acontece com ele e ao mesmo tempo de como ele age.

O Vírus da Estrada Vai Para o Norte: Com uma história aparentemente simples, no decorrer o conto vai ficando cada vez mais interessante na abordagem do sobrenatural conseguindo prender o leitor com sua narrativa de suspense.

Andando na bala: esse conto foi um sucesso no mundo digital, sendo um dos e-books mais vendidos. Posteriormente também foi adaptado para os cinemas com o título “montado na bala”. O texto tem uma estrutura muito bem formada, abordando o tema da morte, que sempre será uma das temáticas da literatura de terror, a forma em que vai evoluindo, vai prendendo cada vez mais a atenção do leitor em virtude de fatos inesperados e sensacionais.

King, com toda sua maestria na elaboração e condução de contos nos faz mergulhar em um mundo fantástico que prende nossa atenção até o último segundo.

Onde encontrar: http://www.buscape.com.br/

Deep Purple - Made In Japan

Deep Purple

Made in Japan (1972)

Junto com Black Sabbath, Led Zeppelin e Uriah Heep, o Deep Purple foi uma das bandas pioneiras no estilo Hard rock.

Ritchie Blackmore

O disco Made in Japan registra ao vivo o melhor do final da primeira fase com Gillan no vocal. Ritchie Blackmore, um dos mais conceituados guitarristas de todos os tempos, dono de um estilo próprio muito característico, está brilhante. A banda como um todo completa a excelência da obra. Depois do Made in Japan, o Purple gravou mais um disco com esta formação; em seguida começariam uma série de mudanças, incluindo a entrada de Glen Hughes, David Coverdale e Tommi Bolin.

Ian Gillan

O disco capta ao vivo toda energia da banda, com clássicos como Highway Star, Smoke on the water, Strange kind of woman, Child in time, Lazy, Space trucking, e um solo de bateria de Ian Paice. A timbragem dos instrumentos está bem clara, e com qualidade de gravação muito boa.

Made in Japan é considerado um dos ícones de registro do que houve de melhor no rock na década de 70.

“Strange kind of woman”

http://www.youtube.com/watch?v=pOCjMkVst8Y

http://www.youtube.com/watch?v=TkyzK1GPnIo

“Child in time” http://www.youtube.com/watch?v=S_qth-F3UOM

“Smoke on the water” http://www.youtube.com/watch?v=MWNlzM_cjug

Onde encontrar: http://www.buscape.com.br/

Brilhante, um dos sons de uma das mais originais e criativas bandas da década de 70.

http://www.youtube.com/watch?v=ky5qjU8LEQI

Jimi Live at Monterey

Jimi Hendrix

DVD – Jimi Live at Monterey  (1967)

Imperdível e lendária apresentação de Jimi Hendrix no Monterey Pop Festival em 1967.

Este show marca o retorno de Hendrix em sua terra natal, Estados Unidos, depois de consagrado entre o público europeu.

O eterno Jimi

No auge da carreira, Hendrix apresenta um show impecável, cheio de energia tocando clássicos como Foxy lady, Like a Rolling Stone, Hey Joe, Purple haze, The Wind cries Mary e Wild thing. É nesse show que acontece a célebre cena de Hendrix ateando fogo em sua guitarra.

O vídeo também traz várias entrevistas com astros do rock e equipe técnica comentando sobre a performance de Hendrix no festival.

O festival ainda contou com bandas como The who, The mamas & the papas, Janis Joplin, entre outras.

Killing floor: http://www.youtube.com/watch?v=ifIkNi6Ei6Q

Like a rolling stone: http://www.youtube.com/watch?v=UT-UudncdEU

Onde encontrar: http://www.buscape.com.br/

Rush - 2112

Rush

2112 

Lançado em 1976

O lado A do álbum conta a história de mundos dominados por uma federação, no ano de 2.112, para o controle das atividades dos seres humanos. As letras, escritas pelo baterista Neil Peart, foram inspiradas no romance “Anthem”, do escritor Ayn Rand. O lado B apresenta canções independentes, que retratam temas diversos como liberdade e individualismo.

O emblema, também conhecido como o “Man in the Star”, foi adotado pelos fãs do Rush como um logotipo, desde a sua primeira aparição na contra capa do 2112 . Peart descreveu-o como: “o homem nu é o homem abstrato contra as massas. A estrela vermelha simboliza qualquer mentalidade coletivista.”

Alex Lifeson, Neil Peart & Geddy Lee

O álbum recebeu críticas muito positivas e é considerado uma das obras-primas da banda. Para mim 2112 representa um dos auges da banda, que teve ao longo de sua carreira vários altos e baixos. Rush sempre demonstrou muito vigor e técnica na execução de suas músicas, e em 2112, além disso, a sonoridade ainda pertencia à fase mais agressiva com guitarras rasgantes e vocais super agudos, sem deixar de lado a suavidade dotada de extremo bom gosto e feeling.

Logo

O efeito sonoro que abre o álbum é um prelúdio para a jornada viajante que se dará início. Disco obrigatório para quem curte boa música.

“2112 Overture / The Temples Of Syrinx”: http://www.youtube.com/watch?v=PCj3oBHSA5M

“2112 VI Soliloquy”: http://www.youtube.com/watch?v=szLVsv0QUvc

Onde encontrar: http://www.buscape.com.br/

Iron Maiden - The Number Of The Beast

Iron Maiden

The number of the beast

Ano de lançamento: 1982

É uma honra pra mim falar desse disco, que acabou virando um “épico” do Heavy metal, além de me ter um significado a mais talvez por eu ter vivenciado, junto com amigos, o lançamento dele.

Esse é o terceiro álbum da banda, e o primeiro com o vocalista Bruce Dickinson, (época em que conseguia alcançar notas agudas com facilidade). Também foi a última gravação do baterista Clive Burr com o Iron. Clive deixou sua marca com muita fibra e técnica neste álbum que, junto com os dois primeiros, considero um dos melhores da banda.

Contra capa

The number teve como técnico de som Martin Birch, (que já havia trabalhado com o Deep Purple), e que contribuiu para deixar uma marca ainda mais sólida à banda em questão de sonoridade, continuando seu trabalho em álbuns posteriores.

As músicas são, uma melhor que a outra, exemplos de originalidade e energia de uma banda em fase de ascensão.

Bruce Dickinson

O álbum alcançou a marca das 14 milhões de cópias vendidas, é tido como um dos melhores da banda por parte de crítica e público, além de ser incluído na listagem do livro “1001 Albuns que você de ve escutar antes de morrer”.

“Hallowed be thy name”: http://www.youtube.com/watch?v=J51LPlP-s9o

“The number of the beast”: http://www.youtube.com/watch?v=jsmcDLDw9iw&ob=av2e

Onde encontrar: http://www.buscape.com.br/

Coração Inquieto - Stefan Zweis

Coração Inquieto

Autor: Stefan Zweis

Publicado em 1939

“Só quando chegamos a saber que também valemos alguma coisa para os outros, é que sentimos a significação da própria existência ?”, pergunta o tenente Hoffmiller, personagem de Coração Inquieto, belíssima história que retrata o dilema entre se dedicar pela compaixão ou seguir a sua própria vontade.

A história gira basicamente em torno de Hoffmiller, que conhece uma deficiente física de família rica que o ama, e vive o eterno drama em decidir se se dedica a ela por compaixão ou se mantém sua imagem íntegra perante os oficiais militares, não permitindo assim, ser visto como um oportunista interessado nos bens da família da deficiente.

Retrata uma questão secular sobre o que realmente sentimos e como seremos visto pela sociedade, conforme regras, padrões e conceitos.

Conforme a história vai se desenvolvendo, também entra a questão do sentimento de culpa, ao atender o pedido da família em ajudá-la ou não. Outra frase do personagem: “culpa alguma está esquecida, enquanto ainda pesa na consciência.”

Onde encontrar: http://www.buscape.com.br/

Supertramp - Crime of the century

Supertramp

Crime of the Century

Ano de lançamento: 1974

Crime é o terceiro álbum da banda inglesa, que se caracterizou por sua identidade única através de timbres e composições geniais, classificado tanto no estilo Pop quanto no Rock progressivo. Foi produzido por Ken Scott, um veterano que já havia trabalhado com os Beatles e David Bowie.

Contra-capa

O lançamento do álbum teve como carro chefe o single “Dreamer”, no qual permaneceu um bom tempo entre os primeiros nas paradas das rádios em diversos países. Além de ser reconhecido dentro do ranking dos críticos musicais mundial como um dos melhores e mais notáveis álbuns realizados, está também listado dentro do livro “1001 álbuns para se ouvir antes de morrer”

O disco é de cabo a rabo repleto de canções magníficas, muito bem arranjado e tocado, com especial atenção à mixagem, levando a um resultado final de excelentíssima qualidade. Além dos instrumentos convencionais, foram adicionados arranjos orquestrais em algumas músicas. Técnicos de som comumente usam este disco para testarem seus equipamentos, pois a timbragem traz toda gama de graves, médios e agudos de que precisam.

As letras também acompanham o alto nível do disco, conceitualmente falam de assuntos ligados a sentimentos intrínsecos do ser humano como o sonho e o medo, e outros como glamour, ambição e fama.

Os Supers

Em músicas como “Hide in your Shell” (uma das que mais gosto) e “IF veryone was listening” podemos encontrar o estilo melódico e ao mesmo tempo dramático de Roger Hodgson, em “Bloody well right” e “Rudy” Rick Davies esbanja seus talentos com influência do Blues, “Rudy” em especial, contém diversas passagens e mudanças de tonalidades, que vão se  encaixando para criar o clima e a temática (história) da música. “School”, com diversos andamentos, contagia com arranjos de bom gosto. “Dreamer” é uma das canções pop que mais fizeram sucesso dês de quando foi lançada até os dias de hoje. Em “Azylum” exploram o lado mais pesado, e fechando com chave de ouro, “Crime of the century” é uma belíssima canção, começando com a voz potente de Davies, e que nos faz viajar com os teclados e sax na parte final.

John Helliwell é um saxofonista que conhece muito bem jazz e blues, sabendo dosar e colocar cada nota no seu devido “timing”, encorpando, junto com o baixo de Dougie Thomson e a bateria de Bob Benberg, ainda mais o som do Supertramp.

A capa que completa a obra de arte, foi criada por Fabio Nicole, outro mestre em questão de arte. O visual dela se encaixa muito bem com a temática do disco.

Crime é uma obra atemporal, referência musical para gerações eternas !

Hide in your Shell:

http://www.youtube.com/watch?v=AaiYgVVpKdI

Crime of the century:

http://www.youtube.com/watch?v=Z2twluaMUfY

Onde encontrar: http://www.buscape.com.br/

Led Zeppelin IV

Led Zeppelin

Led Zeppelin IV

Ano de lançamento: 1971

Outro clássico do rock, Led Zeppelin IV é do começo ao fim um exemplo de inspiração, criatividade e qualidade musical, comum no cenário do rock nos anos 70. Vendeu até hoje 37 milhões de cópias no mundo inteiro, e fez alavancar a carreira da banda para o estrelato e o registro como uma das melhores bandas de rock de todos os tempos.

Jones, Plant, Bonham & Page

Composta por 4 músicos excepcionais, cada um dos integrantes imprimiu sua característica pessoal com seu timbre e sua maneira de tocar. Robert Plant, vocalista, com um timbre de voz único. Jimmi Page, guitarrista, compunha muitas vezes com acordes dissonantes e não convencionais, além de usar timbres diferenciados. John Bonham, baterista, com uma pegada firme, e uma configuração de bateria com sonoridade diferente, e John Paul Jones, um baixista preciso que mantinha a base sempre firme junto com Bonham, e às vezes fazia também o teclado.

“Stairway to heaven” se tornou um hino para os roqueiros e é tida como uma das canções mais bonitas já compostas.

“The battle of evermore” é uma canção acústica que mostra toda versatilidade da voz de  Plant com seus agudos, e com pegada característica do guitarrista Jimmi Page mantendo o ritmo através das cordas. http://www.youtube.com/watch?v=_BjiRKBC05c

“Misty Mountain Hop” tem um riff (tema melódico da guitarra) forte e é uma música onde a banda toda pode mostrar seu estilo coeso e preciso. http://www.youtube.com/watch?v=LxSEDnJ-1eA

“Going to California” é outra canção acústica em que Page usou melodias não convencionais, produzindo efeitos muito bonitos.

“When the Levee Breaks” começa com uma batida de bateria simples e ao mesmo tempo poderosa e marcante, e ai entram os instrumentos, acrescidos por uma gaita e um slide de guitarra que fazem complemento a massa sonora…. fantástico ! http://www.youtube.com/watch?v=xbJQT2eDseA

Além dessas, “Rock and roll” e “Black dog” que também fazem parte do disco, são duas das canções mais conhecidas do Led.

Onde encontrar: http://www.buscape.com.br/

Paranoid Eyes  (Pink Floyd)

Sidney Lumet

Sidney Lumet  (1924 / 2011)

Cineasta

Sidney Lumet foi um cineasta americano que dirigiu mais de 50 filmes, caracterizados pela crítica contra o preconceito e a corrupção nos âmbitos da justiça e política. Lumet conseguia extrair dos atores o máximo de suas performances, projetando-os para uma carreira brilhante e de sucesso, como foi o caso de Al Pacino, Sean Connery, John Cazale, entre outros.

Lumet e Al Pacino em 1973

Seus filmes possuem alto grau de dramaticidade, narrativa tensa e vigorosa. Notáveis assim como os do mestre Hitchcock, tem a capacidade de prender o espectador do começo ao fim.

Lumet conseguiu moldar seu próprio estilo com autenticidade e talento. Em 2005 recebeu um Oscar honorário por seus “brilhantes serviços aos roteiristas, artistas, e à arte do cinema”.

Alguns de seus filmes mais marcantes que já assisti são:

Doze Homens e Uma Sentença (57) – A maior parte do filme é ambientada em um tribunal, onde um jovem está sendo acusado de matar o próprio pai a facadas. Todas as evidências apontam para ele como o responsável pelo crime e 11 jurados estão convencidos de sua culpa. Porém, um último jurado crê na sua inocência e vai tentar convencê-los de que o jovem não deve ser condenado.

Longa Jornada Noite Adentro (62) – O filme retrata a crise de uma família, com o temperamento frio e egoísta do pai, vícios e doenças entre os familiares.

A Colina dos Homens Perdidos (65) – Durante a 2ª Guerra Mundial, no deserto líbio, há um acampamento militar cujo objetivo é disciplinar os militares que tiveram um comportamento reprovável. Os prisioneiros são perseguidos pelo 2º sargento Williams, que os faz cumprir castigos debaixo do sol escaldante. Um dia chegam 5 novos prisioneiros e cada um enfrentará de modo diferente a autoridade e o sadismo de Williams.

O Golpe de John Anderson (71) – Um ex-presidiário reúne os mais experientes ladrões de Nova Iorque para organizar e executar o roubo de um luxuoso edifício, mas todos seus passos são monitorados por câmeras.

Serpico (73) – Na Nova York dos anos 70, o filme conta a história baseada em fatos verídicos de um policial jovem e idealista que, ao contrário de muitos de seus colegas, se nega a aceitar dinheiro oriundo da extorsão de criminosos locais. Com isso, ele passa a enfrentar a resistência de seus superiores em aceitar seus métodos pouco ortodoxos de combate ao crime e deixa clara a sua indignação diante da corrupção generalizada entre seus colegas da polícia, passando a colocar a própria vida em risco.

Um Dia de Cão (75) – Movidos por um motivo insólito, dois assaltantes totalmente amadores planejam um assalto a banco, porém o plano sai errado, e o assalto se estende por horas, com a companhia da polícia, curiosos e da imprensa.

Rede de Intrigas (76) – Um locutor de noticiário de uma TV é demitido em razão da baixa audiência do programa. Ele então anuncia que irá cometer suicídio no ar. O filme procura mostrar a desumanidade da indústria televisiva e de outras corporações, sedentas por dinheiro, via índices de audiência

Fonte parcial: http://wikipedia.org/

Chris Squire - Fish out of water

Chris Squire

Fish out of water

Ano de lançamento: 1975

Após o Yes ter lançado o álbum Relayer, Chris Squire (baixista do Yes) grava este excelente álbum solo, primeiro de sua carreira, com participações de músicos que já tocaram no Yes.

Todos os arranjos e composições são de autoria dele, que além de tocar baixo e violão,  também faz as vozes.

A sonoridade inconfundível da bateria de Bill Bruford, o trabalho de teclados de Patrick Moraz e de sax de Mel Collins completam esse maravilhoso disco que também conta com uma orquestra.

Chris Squire

“Silently falling”: http://www.youtube.com/watch?v=j-nesvJNKaQ

“Hold out your hand / you by my side”: http://www.youtube.com/watch?v=6kfI76YeX90

Onde encontrar: http://www.buscape.com.br/

Quadros de uma Exposição

Quadros de uma Exposição

Modest Mussorgsky (1839 – 1881)

Escrita em 1874

Quadros de uma exposição é uma peça escrita para piano. Em março de 1874, estava acontecendo uma exposição de quadros de Viktor Hartmann  em uma galeria de São Petersburgo. Após visitá-la, o compositor resolveu prestar uma homenagem escolhendo dez quadros expostos e compôs uma música para cada um deles, descrevendo em metáforas, através das notas do piano, através de um passeio pela galeria de exposição.

Mussorgsky

As ideias geniais de Modest Mussorgsky e a sua música virtuosa exerceram forte influência em seus contemporâneos. A dependência do álcool e sucessivas depressões foram os principais motivos por que Mussorgsky deixou muitas obras inacabadas. Músicos como Debussy, Rimsy-Korsakov e Ravel corrigiram e reescreveram peças que ele deixara em apontamento.

A descrição dos quadros é de tal modo realista que incorporam o sentimento do que o pintor quis transmitir, sejam as vendedoras de hortaliça “Na Praça do Mercado de Limoges”, sejam os temas de fábula, sejam os da tradição popular russa, como “A Grande Porta de Kiev” ou mesmo o clima sombrio em “Catacumbas”.

Maurice Ravel

Em 1922, o compositor francês Maurice Ravel, orquestrou o original pianístico da peça. Ao fazê-lo, prestou um grande serviço a Mussorgsky. Grande parte da posterior popularidade da obra se deve ao excelente serviço realizado à própria maneira de Ravel, (já que não conhecia as orquestrações realizadas por Mussorgsky). Com o seu apurado dom orquestral, soube extrair da obra a dosagem necessária para criar sonoridades instrumentais precisas dentro do espírito dos temas.

Emerson, Lake and Palmer

Em 1971, o grupo de rock progressivo Emerson, Lake and Palmer, gravou uma versão da obra, adicionando novos temas, letras e vocais. Em 2002 o álbum foi relançado, contendo tanto a versão original quanto uma nova, gravada em estúdio.

Alguns trechos da obra:

”Promenade” (Passeio): http://www.youtube.com/watch?v=gUh75jlzZmc

”Bydlo” (Carro de Bois): http://www.youtube.com/watch?v=RLOWYFbIjhs

”Limoges, Le Marché” (O Mercado em Limoges): http://www.youtube.com/watch?v=6RUjnk2I9yU

”La Cabanede Baba-Yaga sur de Pattes de Poule” (A Cabana de Baba-Yaga sobre Patas de Galinha): http://www.youtube.com/watch?v=jbTp1ok6TiU

”La Grande Portede Kiev” (A Grande Porta de Kiev): http://www.youtube.com/watch?v=Aa0oKBtFKts&playnext=1&list=PLE7C0C539370CC794

Fonte parcial: http://wikipedia.org/

Onde encontrar: http://www.buscape.com.br/

Allan Poe - Histórias Extraordinárias

Edgar Allan Poe

Histórias Extraordinárias

Como já comentado aqui anteriormente, Poe é considerado um dos precursores da literatura de ficção científica e fantástica modernas.

Poeta e contista, diferentemente da maioria dos autores de contos de terror, Poe usa uma espécie de terror psicológico em suas obras, onde os personagens oscilam entre a lucidez e a loucura, quase sempre cometendo atos infames ou sofrendo de alguma doença ou alucinação. Suas obras são exemplos excepcionais de rigor de construção, dosagem de efeitos e poder de sedução e envolvimento. O ritmo que impõe é muito bem calculado, fazendo prender a atenção do leitor do começo ao fim.

Histórias Extraordinárias é uma coletânea de contos publicados entre 1833 e 1845, considerados clássicos da literatura dramática de horror e policial. É um livro magnífico para quem deseja conhecer um dos mestres nesse estilo literário. Traz uma coletânea de contos célebres como “O Barril do amontilado”, “O gato preto”, “O poço e o pêndulo”, e “A queda da casa de Usher”

Várias obras de Poe se encontram em “domínio público” e podem ser acessadas via Internet através do link:

http://www.dominiopublico.gov.br/pesquisa/PesquisaObraForm.do?select_action=&co_autor=354

Ilustração de O poço e o pêndulo

Versão do “O poço e o pêndulo” em português:

http://www.gargantadaserpente.com/coral/contos/apoe_poco.shtml

Abaixo, a versão de “A queda da casa de Usher” (pra mim um dos melhores contos de Poe), bem descrito pelo meu prezado colega Eduardo Prado Alabars:

“Trata-se de uma narrativa perturbadora como todos os contos do autor. O conto investiga as profundezas escuras do subconsciente e rastreia os terrores ocultos da alma humana. Nunca antes (e poucas vezes depois) um escritor capturou tão completamente a melancolia, o tormento e a paixão corporificada num decadente estado mental.”

Ilustração de A queda da casa de Usher

http://www.alfredo-braga.pro.br/biblioteca/usher.html

Versão do “O gato preto” para download:

http://www.livrosgratis.net/download/1192/o-gato-preto-the-black-cat-edgar-allan-poe.html

Fonte parcial: http://wikipedia.org/

Onde encontrar: http://www.buscape.com.br/

Pink Floyd São Paulo

Uma das maiores bandas de todos os tempos, responsável pelo surgimento do Rock Progressivo, o Pink Floyd  explorou de forma inigualável todos os recursos disponíveis desde 1965 até hoje, emplacando vários sucessos como Wish you were here, Another Brick in the Wall, confortably numb e Time.

A banda Pink Floyd São Paulo é formada por músicos veteranos e acima de tudo fãs de Pink Floyd de SP, e traz ao palco toda magia e o som emocionante do Floyd, com um set list que abrange toda carreira, incluindo os grandes sucessos além de “lados Bs”.

Reinaldo  Kramer – Bateria e backing vocal, Hená Deslandes – Vocal, Vagner Siqueira – Sintetizadores, teclados e samplers, Vagner Hernandes – Baixo, Paulo Mattiazzo – Vocalista e guitarrista, Hamilton Matos – Guitarras, saxofones e backing vocal.

Shine on !

Para acompanhar a agenda de shows e conhecer melhor a banda, acesse:

http://www.pinkfloydsaopaulo.com.br/

Tradição, força e coragem

Post dedicado aos índios de todos os cantos do planeta.

“Só quando a última árvore for derrubada, o último peixe for morto e o último rio for poluído é que o homem perceberá que não pode comer dinheiro.” (Provérbio Indígena).

O lamento indígena - Por Robson  Coelho

Potiguaras

Havia felicidade, havia alegria
Todo dia era dia
Caça, pesca e colheita
Havia música, tambores e dança.

Éramos livres na terra de ninguém
Éramos felizes, pois a terra era de ninguém.

Mas aí sem ninguém perceber
A liberdade se foi e a vida se acabou
A terra sem dono com dono ficou

E em terra de dono branco a infelicidade indígena se instalou
Nos perseguiu, nos feriu, nos refletiu um mundo doente
Um mundo carente, um mundo pobre injusto e imundo.

Na terra de ninguém a natureza era vívida
Na terra de alguém homem branco a tudo poluiu
A tudo destruiu, a tudo desconstruiu.

Insatisfeito com a falta de propriedade capitalizou
Num mundo cheio de liberdade escravizou
E onde morava a paz guerreou e matou.

E matou.

Oração da causa indígena – Por Dom Pedro Casaldáliga

Pai-Mãe da Terra e da Vida,

Tradição e cultura

Deus Tupã de nossos pais e mães,
Venerado nas selvas e nos rios,
No silêncio da lua e no grito do sol
Pelos altares e pelas vidas destruídas
Em teu nome, profanado,
Nesta nossa Abia Yala colonizada,
Te pedimos que fortaleças
A luta e a esperança dos povos indígenas
Na reconquista de suas terras,
Na vivência da própria cultura,
Na fruição da autonomia livre.
E dá-nos a nós, neo-colonizadores
Vergonha na cara e amor no coração
Para respeitarmos seus povos-raiz
E para comungar com eles em plural Eucaristia.
Awere, Amém, Aleluia!

Beleza indígena

Qualquer vida é muita dentro da floresta - Por Jussara Gruber (O Livro das Árvores)

Se a gente olha de cima parece tudo parado.
Mas por dentro é diferente,
A floresta está sempre em movimento.
Há uma vida dentro dela que se transforma
Sem parar. Vem o vento. Vem a chuva.
Caem as folhas, e nascem novas folhas.
Das flores saem os frutos. E os frutos são alimento.
Os pássaros deixam cair sementes. Das sementes nascem novas árvores.
E vem a noite. Vem a lua.
E vêm as sombras. Que multiplicam as árvores.
As luzes dos vagalumes, são estrelas na terra.
E com o sol vem o dia. Esquenta a mata.

Extraído do Livro Xacriabá de Plantas Medicinais – Fonte de Esperança e Mais Saúde – Por Rosenir Gonçalves Neves

Tudo o que Deus criou

A dança do Guerreiro

Já nasce com seu valor
Não sou contra farmácia
Nem hospital nem doutor
Mas se existissem as reservas
Das matas com suas ervas
Não havia tanta dor.

Comissão pró índio de SP:

http://www.cpisp.org.br/

http://www.youtube.com/watch?v=yYt1Mb_9pbQ

Peter Gabriel – “Here Comes The Flood”

When the night shows
the signals grow on radios
All the strange things
they come and go, as early warnings
Stranded starfish have no place to hide
still waiting for the swollen Easter tide
There’s no point in direction we cannot
even choose a side.

I took the old track
the hollow shoulder, across the waters
On the tall cliffs
they were getting older, sons and daughters
The jaded underworld was riding high
Waves of steel hurled metal at the sky
and as the nail sunk in the cloud, the rain
was warm and soaked the crowd.

Lord, here comes the flood
We’ll say goodbye to flesh and blood
If again the seas are silent
in any still alive
It’ll be those who gave their island to survive
Drink up, dreamers, you’re running dry.

When the flood calls
You have no home, you have no walls
In the thunder crash
You’re a thousand minds, within a flash
Don’t be afraid to cry at what you see
The actors gone, there’s only you and me
And if we break before the dawn, they’ll
use up what we used to be.

Lord, here comes the flood
We’ll say goodbye to flesh and blood
If again the seas are silent
in any still alive
It’ll be those who gave their island to survive
Drink up, dreamers, you’re running dry.

YAWYI - FZ

Frank Zappa

Vídeo – You are what you is (1981)

http://www.youtube.com/watch?v=0h9jNLF2jmU

Onde encontrar: http://www.buscape.com.br/

Puccini - Tosca

Giacomo Puccini

Tosca

Encenação

Ópera em 3 atos de Giacomo Puccini estreada em 1900.

Abaixo, uns dos trechos mais conhecidos “E Lucevan Le Stelle !”

Encenação

Versão c/ Placido Domingo:

http://www.youtube.com/watch?v=_HBcvE8PB6I

Versão c/ Vittorio Matteucci:

http://www.youtube.com/watch?v=7rZz8p8GQ_0&playnext=1&list=PL929A4004EAE0081A

Versão c/ Jonas Kaufmann:

http://www.youtube.com/watch?v=fqaZFcZ7poI

Belíssimo !

King Crimson - Discipline

King Crimson

Discipline

Ano de lançamento: 1981

Robert Fripp

Em 1981, após 7 anos sem lançar álbum, o King Crimson re-aparece com uma nova formação e uma nova abordagem de música.

Da formação anterior, só o fundador Robert Fripp e o baterista Bill Bruford permaneceram, o resto da banda é formado por: Adrian Belew (guitarra e vocal, que já havia tocado com David Bowie , Frank Zappa , Talking Heads , e Peter Gabriel), e Tony Levin no baixo, (que já havia tocado também com Peter Gabriel, além de Alice Cooper, entre outros).

Bill Bruford

O álbum mescla o som pesado, (que sempre foi característico da banda na década de 70) com um estilo novo, caracterizado pelas guitarras “dedilhadas” em dueto, que se misturam e se entrelaçam, (análogo com o símbolo da capa).

As músicas “Matte Kudasai” e “Elephant talk”, foram os carros chefes deste excelente álbum quando lançado.

Adrian belew

Com esta nova formação, a banda conseguiu mais uma vez demonstrar sua versatilidade junto com uma qualidade fora do normal. Discipline é um excelente álbum, cheio de criatividade e inovações.

Uma curiosidade é que quando estavam gravando este álbum, Belew, andando pelo Notting Hill Gate em Londres, com um gravador à procura de inspiração, foi perseguido por uma gangue e, em seguida pela polícia. Ao voltar para o estúdio, fez um relato desesperado para seus companheiros de banda do que tinha acontecido. Fripp então colocou o relato de Belew na gravação da música “Thela hun ginjeet”.

Tony Levin

O tema do álbum traz a afirmação: “A disciplina nunca é um fim em si, apenas um meio para um fim”.

Indiscipline live:

http://www.youtube.com/watch?v=aNy80nqtqlU

Elephant talk live:

http://www.youtube.com/watch?v=cbuqtDhTAwQ

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Fight from the inside - Queen

Fight from the inside – Queen (1977)

Não era só Freddie Mercury que cantava no Queen, a música Fight from the inside, do álbum “News of the world” de 1977 foi toda escrita, tocada e cantada pelo baterista Roger Taylor (Brian May fez uma pequena participação na guitarra solo).

Fight tem um ótimo “groove”, com uma pegada especial, lembrando os funks da década de 70. A voz de “rasgada” Roger está com muita energia e potência.

Este vídeo traz imagens da banda des de seu início em 1973.

http://www.youtube.com/watch?v=CXsIkt1JVNU

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Stevie Ray Vaughan - Texas Flood

Stevie Ray Vaughan (1954 – 1990)

Texas Flood (1983)

Stevie - 1989

Conhecido como um dos mais influentes músicos da história, principalmente no meio do blues, Vaughan é reconhecido por seu som de guitarra característico que em parte provinha do uso de cordas de guitarra espessas, calibre 013 e também da afinação meio tom abaixo do normal. O som e o estilo de Vaughan tocar traz freqüentes comparações com Jimi Hendrix. Era também fortemente influenciado por Albert King (que se auto-proclamou “padrinho” de Stevie) e Freddie King, outro grande músico texano.

Seu álbum de estréia produzido porJohn Hammond, Texas Flood, foi lançado em 1983.  A música “Pride and Joy” foi seu carro-chefe e vendeu bem tanto nos círculos de blues como de rock. É considerado acima da média em relação aos outros discos, pois tem uma sonoridade mais agressiva, além de muito feeling, evocando o blues de raiz aliado a guitarra distorcida. Seus solos são muito bem construídos, com harmonia, melodia e rapidez. Vaughan também fazia toda a parte de voz com muito talento e características do blues.

Texas Flood Tour

Em 1989 o disco “In step” foi aclamado pela crítica e ganhou um Grammy pela melhor gravação na categoria Blues Rock.

Em 2003 a revista Rolling Stone classificou Stevie Ray Vaughan em 7° lugar em uma lista de 100 melhores guitarristas de todos os tempos.

SRV

Na manhã do dia 27 de agosto de 1990 Vaughan morreu em um acidente de helicóptero que seguia para uma apresentação no Alpine Valley Music Theater, onde na tarde anterior se apresentara junto com Robert Cray, Buddy Guy e Eric Clapton. Em conseqüencia do céu nublado e da forte névoa, o helicóptero de Stevie virou para o lado errado e foi de encontro com uma pista artificial de ski. Não houve sobreviventes, e assim como Jimi Hendrix, o Rock perdera um dos seus maiores expoentes, ainda jovem.

“Tell me”: http://www.youtube.com/watch?v=Sms5dbvqSG0

“Texas Flood”: http://www.youtube.com/watch?v=tWLw7nozO_U

Fonte parcial: http://wikipedia.org/

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John Coltrane

John Coltrane (1926 / 1967)

Saxofonista e compositor de jazz americano, habitualmente considerado como o maior sax tenor do jazz, além de um dos maiores compositores deste gênero de todos os tempos. Sua influência no mundo da música ultrapassa os limites do jazz, indo desde o rock até a música erudita.

Reformulou o jazz, influenciou e continua a influenciar gerações de outros músicos. Lançou cerca de 50 gravações como líder em doze anos, além das inúmeras participações especiais. Com o passar dos anos em sua carreira, sua música foi tomando progressivamente uma dimensão espiritual que iria consagrar com chave de ouro seu legado musical.

Coltrane, Cannonball Adderley, Miles Davis e Bill Evans

Junto com os saxofonistas tenores Coleman Hawkins, Lester Young e Sonny Rollins, Coltrane mudou as perspectivas e os estigmas de seu instrumento.

Coltrane recebeu diversas pemiações e citações, em especial, o Prêmio Pulitzer pela sua “perita improvisação, musicalismo supremo e um dos ícones centrais na história do jazz.”

em 1946, começa a tocar em diversos pequenos bares e clubes ao redor da Filadélfia, e entra para o grupo de Joe Webb e depois para a King Kolax Band, com o saxofonista Charlie Parker. É nesse grupo que ele decide trocar o saxofone alto pelo tenor, visto que Parker, que tocava saxofone alto, já havia “esgotado” as possibilidades desse instrumento.

Já no começo da carreira é admirado por outros músicos e em 1949 recebe o convite de Dizzy Gillespie para tocar saxofone alto em sua big band, em 1955, recebe um telefonema do trompetista Miles Davis o convidando a se juntar em um grupo que ele estava formando, chamado Miles Davis Quintet. Com Miles, Coltrane finalmente se estabeleceria como um importante músico de jazz.

Miles Davis - Kind of blue (1959)

Em 1957 é forçado a parar de tocar devido a seus problemas com drogas. Miles o substitui por Sonny Rollins. Logo volta a tocar, mas agora como líder (ao lado do baixista Paul Chambers) e também participando do quarteto de Thelonious Monk. Em 1959 Coltrane grava com o grupo de Miles Davis o célebre álbum “Kind of blue”, no qual utilizam escalas de forma diferente do Jazz tradicional, sendo considerado como um dos álbuns mais influentes do jazz, alcançando um elevado número de vendas. Entre as sessões deste álbum, Coltrane começa a gravar para a Atlantic Records o álbum solo Giant Steps lançado em 1960. Este álbum é o primeiro com todas as composições de sua autoria, apresentando um novo conceito de uso harmônico conhecido mais tarde como “Coltrane changes” (“mudanças Coltrane” em português), que consistiam em substituições de progressões harmônicas. Muitas faixas deste álbum tornaram-se standards, como “Naima”, “Giant Steps”, e “Mr. P.C.”. A música “My Favorite Things” também surgiu nesta época.

Durante este período, Coltrane desenvolve uma técnica que se baseava em várias notas rápidas tocadas em legato, que tornariam seus solos mais longos. Essa técnica se tornaria uma de suas marcas registradas.

Em seguida, Coltrane assina contrato com a gravadora Impulse, onde desenvolve melhor suas técnicas inovadoras e mais radicais. Críticos da época dividiram suas opiniões em relação a Coltrane, que havia mudado radicalmente seu estilo. O público também ficara perplexo; na França, ele foi vaiado durante sua turnê final com Miles Davis. Em 1961, a revista especializada Down Beat citou Coltrane junto com Eric Dolphy, como tocadores do “Anti-Jazz” em um artigo que confundiu e angustiou os músicos. Coltrane admitiu que muitos dos seus solos de antigamente eram baseados mais em ideias técnicas, e sua nova música vinha do espírito. O estilo de Dolphy o levou a ganhar a reputação de autor do movimento chamado “Free Jazz” e “Avant-Garde“, liderado por Ornette Coleman – que também foi denegrido por alguns músicos de jazz (incluindo o antigo chefe de Coltrane, Miles Davis) entre alguns críticos. Mas como o estilo de Coltrane estava se desenvolvendo, sua determinação era fazer de cada performance “uma única expressão”, como ele mesmo disse em uma entrevista.

Coltrane em 1962

Em 1962 estava formado o “quarteto clássico”, como seria chamado com Tyner, Garrison, Jones e Coltrane. Coltrane estava mudando seu estilo em direção a improvisações rítmicas, melódicas e motivacionais. A complexidade harmônica ainda estava presente. Em 1963 lança mais um ícone do Jazz, o álbum Impressions, consolidando mais ainda sua nova abordagem. Em seguida lança um ode à sua fé no amor e em Deus (não necessariamente o Deus cristão – ele diz “Eu acredito em todas as religiões”). Este interesse espiritual iria caracterizar muito a forma de tocar e compor de Coltrane a partir de então, como pode ser visto em álbuns como Ascension, Om e Meditations. O quarto movimento de A Love Supreme , “Psalm”, é, de fato, um arranjo baseado em um poema feito para Deus por Coltrane e impresso no álbum. Coltrane toca quase exatamente cada nota para cada sílaba do poema, baseando suas frases nas palavras. O álbum foi um sucesso comercial.

No final dessa época, Coltrane mostrou um crescente interesse pelo avant-garde jazz promovido por Ornette Coleman, Albert Ayler e Sun Ra, entre outros. Ele foi especialmente influenciado pela dissonância do trio de Ayler com o baixista Gary Peacock . Encorajou muitos jovens músicos de free jazz (como Archie Shepp), tornando-se um líder do free jazz para o selo Impulse.

O clássico Giants Steps (1960)

Após gravar A Love Supreme, o estilo apocalíptico de Ayler influenciou a música de Coltrane, as gravações do quarteto mostravam uma crescente abstração da forma de tocar, incorporando novos modelos como a multifonia, a utilização de overtones. Ele abandonou o soprano para se concentrar no saxofone tenor, tocando com o quarteto com crescente liberdade.

Em 1965 grava Ascension junto de Shepp, Pharoah Sanders e Freddie Hubbard, uma peça de 40 minutos de duração que apresentava solos ousados por jovens músicos do avant-garde. Assim como Coltrane, Sanders era um dos saxofonistas mais virtuosos de sua época. Enquanto Coltrane usava over-blowing (técnica que é usada em instrumentos de sopro, trocando a direção e/ou a força do ar para alcançar alturas diferentes de sons), Sander optava em usar nos solos inteiros. Quanto mais Coltrane tocava com ele, mais tendia ao som único de Sanders. John Gilmore foi também uma grande influência no último período de Coltrane.

Em 1965, Coltrane já se dedicava inteiramente ao sublime e a transcendência cósmica com sua música, já num período final de sua carreira. Esse período foi incompreendido por muitos ouvintes. Coltrane e Sanders foram descritos por Nat Hentoff como falando em sua “própria língua”.

Em 1967, Coltrane entrou em estúdio várias vezes gravando peças com Sanders (a incomum “To Be”, em que ambos tocam flauta), e outras em dueto com Ali.

Coltrane explorou o Hinduísmo, o Budismo, a Cabala, Jiddu Krishnamurti, ioga, matemática, ciências, astrologia, história da África e até Platão e Aristóteles. Ele diz: “Durante o ano de 1957, eu experimentei, pela graça de Deus, um despertar espiritual o qual me guiou a uma rica, abundante e produtiva vida. Em gratidão, eu humildemente pedi que me fossem dados os meios e privilégios de fazer os outros felizes através da música”. Em seu álbum de 1965, Meditations, Coltrane escreveu sobre ajudar pessoas: “…Para inspirá-los a realizar mais e mais de suas capacidades para viverem vidas significativas. Porque esse é certamente o sentido da vida.”

Coltrane

Na gravação de Om, refere-se ao mantra mais importante do Hinduísmo que simboliza o infinito de todo o Universo. A gravação de 29 minutos contém cantos de Bagavadguitá, um épico Hindu.

A jornada espiritual de Coltrane foi entrelaçada com sua pesquisa no mundo da música. Ele acreditou na estrutura da música universal que transcendia distinções étnicas, capaz de uma linguagem mística da música por si só. Os estudos com música Indiana o levaram a crer que certos sons e escalas poderiam “produzir sentidos emocionais específicos” (impressões). De acordo com Coltrane, o objetivo de um músico era entender estas forças, controlá-las, e passá-las para o público. Dizia que gostaria de levar para as pessoas algo como a felicidade e de descobrir um método que se quisesse qualquer coisa, conseguiria através da música.

Embora alguns ouvintes de jazz ainda considerem os últimos álbuns de Coltrane contendo um pouco de cacofonia, muitas de suas últimas gravações – entre elas Ascension, Meditations e a póstuma Interstellar Space são largamente consideradas obras-primas.

A influência a qual Coltrane exerceu abrange muitos gêneros de músicas e músicos. Jimi Hendrix, John McLaughlin, Carlos Santana, Allan Holdsworth, Jerry Garcia, The Stooges, The Doors, Christian Vander e Duane Allman citaram Coltrane como inspiração em seus trabalhos.

Blue train (1957)

A influência maciça de Coltrane no jazz começou durante sua vida e continuou crescendo mesmo depois de sua morte. Ele é uma das maiores saxofonistas de jazz influentes no pós-60 e inspirou uma geração inteira de músicos de jazz. Em 1965, ele entrou para o Down Beat Jazz Hall of Fame, e foi postumamente premi

ado com o Grammy Lifetime Achievement Award em 1992.

A viúva, Alice Coltrane, após décadas de reclusão, ganhou brevemente um perfil público antes de sua morte em 2007. O filho de Coltrane, Ravi Coltrane, nome dado em homenagem ao tocador de sitar Ravi Shankar que Coltrane admirava, seguiu os passos do pai e é um notável saxofonista contemporâneo.

A Igreja Ortodoxa Africana Saint John Coltrane, uma Igreja Ortodoxa Africana em São Francisco, considerou em 1971 Coltrane como um santo. Incorporando a música de Coltrane com suas letras e orações.

Durante sua carreira relativamente breve, Coltrane gravou mais de 100 álbuns, tanto ao vivo como em estúdio, ou como líder ou sideman, criando um dos mais variados e profundos trabalhos musicais do século XX. Sempre foi e sempre será reverenciado e admirado por aqueles que entendem sua música e sua proposição.

Coltrane faleceu em decorrência de câncer do fígado em 1967 com 40 anos de idade.

Fonte parcial: http://wikipedia.org/

Elis e Tom

Elis e Tom

Inútil paisagem

Música gravada em 1974 por Elis Regina e Tom Jobim e regravada por diversos músicos consagrados de Jazz

http://www.youtube.com/watch?v=XwrDPucMO4k

Um estranho no ninho

Um Estranho no Ninho

Direção: Miloš Forman

Adaptação do romance de Ken Kesey

Principais atores: Jack Nicholson, Danny DeVito, Christopher Lloyd e Louise Fletcher

Ano de lançamento: 1975

Nicholson e os internos

Um dos melhores filmes já produzidos na história do cinema, sem qualquer efeito especial, contém uma grande carga de humanismo, solidariedade e outros sentimentos mais profundos de todo ser humano, como o ódio, vingança e a inconformidade.

Jack Nicholson faz o papel de um malandro que após ser preso, se finge de louco para ir para um hospital psiquiátrico e assim esquivar-se a uma porção de trabalhos forçados na prisão. Lá ele começa a ficar inconformado com o tratamento aos internos e começa a influenciá-los, iniciando assim uma batalha contra a cruel e sádica enfermeira protagonizada por Louise Fletcher, além de incentivar os internos a se rebelarem contra funcionários e direção do hospital.

Jack Nicholson e Will Sampson

Com atuação comovente e vigorosa, Nicholson representa acima de tudo a inconformidade perante a desumanidade do sistema psiquiátrico e a solidariedade ao próximo.

O filme, considerado um clássico, venceu o Oscar nas categorias de melhor filme, melhor ator (Jack Nicholson), melhor atriz (Louise Fletcher), melhor diretor (Milos Forman) e melhor roteiro adaptado, além de ter sido Indicado nas categorias de melhor ator coadjuvante (Brad Dourif), melhor fotografia, melhor edição e melhor trilha sonora.

Louise Fletcher e Jack Nicholson

Além disso, venceu em várias categorias de mais outros 7 concursos ao redor do mundo, incluindo o Globo de Ouro.

Fonte parcial: http://wikipedia.org/

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BJH - Hymn

Barclay James Harvest

Hymn (1975)

http://www.youtube.com/watch?v=-aPnFTFrg5k

“Valley’s deep and the mountain’s so high
If you want to see God you’ve got to move on the other side
You stand up there with your head in the clouds
Don’t try to fly you know you might not come down
Don’t try to fly near God, you might not come down”

Barclay James Harvest - Everyone is everybody else

Barclay James Harvest

Everyone is everybody else

Ano de lançamento:  1974

BJH é uma banda inglesa de rock progressivo com características de folk e rock sinfônico. Foi formada em 1967 e seu último trabalho registrado data de 1997.

Assim como Eloy, BJH é uma banda pouco conhecida do grande público, porém não menos grandiosa, com trabalhos muito bem elaborados, alguns deles misturando orquestra aos instrumentos convencionais, além de usarem bastante o típico instrumento característico do rock progressivo, melotron.

Dois dos músicos alternam as vozes nas músicas, fazendo também os coros, que se encaixam perfeitamente em timbre no tipo de música que a banda faz.

Barclay James Harvest, faz parte daquelas que nunca morrem com o tempo. A música “Child os the universe” deste disco é um verdadeiro hino das músicas mais viajantes, como por ex. “Time” do Pink Floyd, além de trazer em sua letra uma bela mensagem em solidariedade as crianças vítimas de guerra:

“I’m a child from South Africa
I’m a child of Vietnam
I’m a child of Northern Ireland
I’m a small boy with blood on his hands.
I’m a child of the universe
I’m a child of the universe
You can see me on the TV everynight
Always there to join in someone else’s fight.
I never asked to be born
I never asked to die
I’m an endless dream
a dream-machine that cannot reason why.
Yes, I’m a child of the universe”

A letra de “For no one” é um apelo a favor da paz universal:

“Please lay down your pistols and your rifles
Please lay down your colours and your creeds
Please lay down your thoughts of being no-one
Concentrate on what you ought to be
Then lay down your bullshit and your protests
Then lay down your governments of greed
Take a look at what lies all around you
Then pray God we can live in peace
Everyone’s a loner ’till he needs a helping hand
Everyone is everybody else
Everyone’s a no-one ’till he wants to make a stand
God alone knows how we will survive
So please lay down your pistols and your rifles”

“Child of the universe”: http://www.youtube.com/watch?v=tD-2mSg92so

“For no one”: http://www.youtube.com/watch?v=HT7dfTefVSU

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super size-me

Super Size Me – A dieta do palhaço

Documentário escrito, produzido, dirigido e protagonizado por Morgan Spurlock.

Ano de lançamento: 2004

A "dieta do palhaço"

Uma demonstração real e impressionante de como a alimentação conhecida como “fast food” pode prejudicar a saúde de uma pessoa.

O filme documenta os efeitos que tem este estilo de vida na saúde física e psicológica, e a influência das indústrias da comida rápida. Spurlock segue uma dieta de 30 dias durante os quais se alimenta exclusivamente com comida do McDonald’s.

O fator que o motivou a fazer a investigação foi a crescente propagação da obesidade nos Estados Unidos, considerada uma “epidemia”.

Exames clínicos

Mostra também que o Mc Donald’s criou tamanhos exagerados de porções (tanto na comida quanto na bebida), induzindo ao consumo de mais e maiores porções, fazendo com que a população consuma muito além do necessário para uma alimentação saudável.

Antes do início deste experimento, Spurlock comia uma dieta variada, era saudável, magro e media 188 cm de altura com um peso de 84,1 kg. Depois de trinta dias, obteve um ganho de 11,1 kg, 13% de aumento da massa corporal. Também experimentou disfunção sexual, dano irreversível ao fígado e mudanças de humor, incluindo depressão, no qual o médico atribuiu ao efeito “viciante” da comida. A noiva de Spurlock, Alexandra Jamieson, é uma testemunha para o fato de Spurlock ter perdido muita da sua energia e desempenho sexual durante a experiência. Próximo do vigésimo dia, Spurlock havia sentido estranhas palpitações no coração. Seu médico particular, o doutor Daryl Isaacs lhe aconselha parar o que está fazendo de imediato para evitar qualquer tipo de problemas de saúde mais grave. Apesar desta advertência, Spurlock decide continuar com o teste, com o incentivo de seu irmão.

Comparações

Todos os dados clínicos foram acompanhados durante o período da dieta por profissionais da saúde, que ao final se surpreenderam com a mudança drástica na saúde de Spurlock, no qual precisou quatorze meses para perder o peso que havia ganhado.

O documentário foi nomeado para um Oscar na categoria de melhor documentário longa.

Fonte parcial: http://wikipedia.org/

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Black Sabbath - Born again (contra capa)

Black Sabbath

Born again

Ano de Lançamento: 1983

Black Sabbath é considerado uma das primeiras bandas de heavy metal. De 1970 a 2000, vendeu mais de 50 milhões de cópias e é uma daquelas bandas “imortais” que mesmo depois que acabar, servirá como referência para as gerações futuras.

O time

Também é a banda que abrigou vocalistas notáveis como Ozzy Osbourne, Dio e Ian Gillan nas décadas de 70 e 80.

Após a saída do vocalista Dio, entrou para a banda nada mais nada menos que Ian Gillan do Deep Purple. Da formação original, além de Tony Iommi na guitarra e Gezzer Butler no baixo, Bill Ward gravou a bateria, mas por motivos de saúde não pode fazer a turnê, e foi substituido por Bev Bevan, da banda ELO.

Born again foi subestimado quando foi lançado, porém a critica e os numeros surpreenderam, o álbum ficou em 4 lugar nas paradas inglesas no primeiro mês após o lançamento. Algumas músicas acabaram virando clássicos como “Zero The Hero” e “Trashed”.

O álbum apresenta músicas pesadas e agressivas cheio de energia, e as vozes de Gillan estão mais potentes do que nunca, atingindo agudos extremos. “Disturbing the priest” chega a ser atordoante (porém magnífica) de tão poderosa e agressiva. Considero uma das melhores de toda carreira do Sabbath.

Ian Gillan

Born Again foi o único trabalho de Gillan com o Black Sabbath, que deixou a banda em 1984 para voltar a gravar com o Deep Purple. Como curiosidade, a música “Disturbing The Priest” surgiu quando um padre foi reclamar com a banda, por causa do barulho alto que eles faziam nos ensaios. Outra curiosidade é sobre a abominável capa (que apresenta um diabinho em forma de bebê): o próprio Gillan detestou-a, quando recebeu o lay out dela antes do lançamento do disco, jogou fora.

Fonte parcial: http://wikipedia.org/

“Disturbing the priest”: http://www.youtube.com/watch?v=wxBk8tW2jaw

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Um sonho de liberdade

Um Sonho de Liberdade

Direção: Frank Darabont

Pincipais atores: Tim Robbins, Morgan Freeman.

Baseado no conto Rita Hayworth e a redenção de Shawshank do escritor Stephen King

Ano de lançamento: 1994

Morgan Freeman e Tim Robbins

Um executivo (Tim Robbins) é acusado de assassinar sua esposa e é condenado a cumprir prisão perpétua em Shawsshank, uma das mais duras penitenciárias dos Estados Unidos, porém é inocente. Na prisão ele conhece a dor e o sofrimento, e acaba virando amigo de Red (Morgan Freeman), que juntos utilizam suas habilidades para sobreviver em um ambiente hostil suportando injustiças e planejando a fuga.

Uma grande obra com momentos de violência, humor e esperança inesperados feita com inteligência e maestria.

O filme Recebeu sete indicações ao Oscar e duas indicações ao Globo de Ouro.

Penitenciária Shawsshank

Boa parte foi rodado na Penitenciária Estadual de Mansfield, em Ohio, que estava desativada na época das filmagens. Como a penitenciária estava em péssimas condições, foi necessário que se fizesse uma pequena reforma que deixasse o local em condições para que se pudesse rodar um filme.

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Motörhead - Orgasmatron

Motörhead

Orgasmatron

Ano de lançamento: 1986.

O Motörhead foi formado em 1975 e é conhecido pelo seu peso, que influenciou muitas bandas de heavy, thrash metal e punk rock.

o "power trio"

O baixista e vocalista Lemmy Kilmister já foi roadie da banda de Jimi Hendrix e integrante da banda de rock psicodélico Hawkwind antes de formar o Motörhead. Sua voz rouca e seu baixo Rickenbacker distorcido, soando como se fosse uma guitarra base, fazem a banda ter uma característica própria, reconhecível nos primeiros acordes.

Lemmy Kilmister

Neste álbum, a banda coloca toda sua energia e criatividade em canções que vão direto no coração do metal pesado.  A sonoridade e a qualidade de gravação estão muito boas, “Ridin’  with the driver”, “Built for speed” e “Deaf forever” são as melhores.

Vale citar que “Ace of spades”, álbum que saiu em 1980, é considerado por muitos como o auge, o melhor momento registrado pelo Motörhead.

Ace of spades

Com esse álbum a banda ganhava pela primeira vez notoriedade. Foi gravado com o produtor mais requisitado da época, Vic Maile. Com todo o sucesso, o disco tornou-se um dos maiores clássicos na história do Heavy Metal, fazendo do Motörhead um grande nome na cena metálica.

Ridin’ with the driver http://www.youtube.com/watch?v=5_uTWSQAC4I

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Home - Nosso planeta, nossa casa

Home

Direção: Yann Arthus-Bertrand

Ano de lançamento: 2009

“Só quando a última árvore for derrubada, o último peixe for morto e o último rio for poluído é que o homem verá que não pode comer dinheiro.” (Provérbio Indígena)

O documentário, narrado de forma objetiva e clara, é uma verdadeira aula que nos mostra o quanto destruímos e continuamos a destruir nosso planeta em ritmo acelerado. O quanto as interferências humanas alteraram os recursos naturais. Como uma ação isolada afeta todo eco-sistema.

Os degelos, as queimadas, as crescentes plantações de eucaliptos e criação de pastos e plantações de soja no lugar da mata nativa, a forma de como a água está se acabando, o uso crescente do petróleo para atender a demanda de produtos meramente supérfluos e de combustível, a extinção dos animais, o aumento dos “refugiados do clima” (migração das pessoas do campo para as cidades).

HOME visa sensibilizar, educar e conscientizar as platéias de todo o mundo
sobre a fragilidade de nosso lar, ao demonstrar que tudo que é vivo sobre nosso planeta está interligado. Mas apesar dos males que causamos crescentemente nos últimos 50 anos à Terra, ainda há chance (com uma certa urgência) de salvarmos nossa casa se fizermos com medidas contundentes e imediatas, não só por cada um individualmente, quanto principalmente pelos governos e instituições. O filme também mostra as formas alternativas no qual alguns lugares já adotaram como a utilização da energia solar e do vento, que são tão ou mais eficientes quanto as formas tradicionais.

Desmatamento

O documentário não tem nada de sensacionalista, relata os fatos baseados em dados estatísticos coletados ao longo dos anos, e mostra imagens filmadas a partir do céu.

“Consumimos em excesso e estamos extinguindo os recursos da Terra. De cima (as imagens foram feitas sobrevoando as regiões), é fácil ver estas feridas. O que realmente quero é que as pessoas cujo consumo tem um impacto direto sobre a Terra, percebam a necessidade de mudar seu modo de vida depois de assistirem o filme .” (Yann Arthus-Bertrand).

Desmatamento

Um fato curioso e digno de exemplo citado no filme foi que a Costa Rica se absteve de ter um exército em seu país, para direcionar a verba para a conservação de suas terras e investimento na educação.

Pela importância do tema, o documentário teve uma exibição em vários países no Dia Mundial do Meio Ambiente em várias mídias: cinema, televisão, DVD e internet.

Queimadas

A nós brasileiros, nos motiva a cuidarmos mais dos nossos mananciais, do pantanal, das reservas florestais, assim como tentarmos impedir que a monocultura da soja não acabe imperando e destruindo ainda mais, evitarmos consumirmos com exagero, dar preferência para produtos alternativos, e acima de tudo cobrar dos políticos que tomem ações que impeçam a poluição e devastação ambiental.

Dados apresentados ao final do filme:

Energias alternativas - uma solução

* 20% da população mundial consome 80% dos recursos do planeta.
* O mundo gasta doze vezes mais em armas do que em ajuda de desenvolvimento de países.
* 5.000 pessoas morrem todos os dias por beber água poluída.
* 1 bilhão de pessoas passam fome.
* Mais de 50% do grão comercializado ao redor do mundo é usado para ração animal ou biocombustíveis.
* 40% da terra cultivável está degradada.
* A cada ano, 13 milhões de hectares de florestas desaparecem.
* 1 mamífero em 4, 1 pássaro em 8, 1 anfíbio em 3 estão ameaçados de extinção. As espécies estão desaparecendo mil vezes mais rápido do que o ritmo natural de extinção.
* 75% dos produtos da indústria pesqueira estão extintos, esgotados ou em risco de extinção.
* A temperatura média dos últimos 15 anos tem sido a mais alta desde o início de seu registro.
* A calota polar perdeu 40% de sua espessura em 40 anos.
* Poderá haver 200 milhões de refugiados do clima em 2050.

Maiores informações e trailler:

http://www.home2009.com.br/

http://www.goodplanet.org/

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Dire Straits - Brothers in arms

Dire Straits - Brothers in Arm

Dire Straits

Vídeo: Brothers in arms

Música do disco “Brothers in arms” lançado em 1985

http://www.youtube.com/watch?v=jhdFe3evXpk

A história das coisas

“A história das coisas”

Excelente vídeo produzido por Annie Leonard e patrocinado pelo Allegheny College, com explicação sobre o círculo vicioso em que estamos inseridos. Deveria ser apresentados em todas as escolas !

http://www.unichem.com.br/video.php?id_video=16

Annie produziu outros vídeos esclarecedores e importantes, como “A história dos eletrônicos”:

http://www.youtube.com/watch?v=MPWgqkIVgbw

Obs: caso a legenda não apareça, clique no botão “cc” no canto inferior direito.

Judas Priest - Screaming for vengeance

Judas Priest

Screaming for Vengeance

Ano de lançamento: 1982

Judas Priest é uma das maiores bandas britânicas de Heavy Metal, foi formada em 1974, e até hoje está na ativa. Faz parte do cast das bandas que iniciaram o movimento HM, como Motorhead, Iron Maiden, Black Sabbath, Led Zeppelin, Deep Purple, Kiss e AC/DC.

Rob Halford

São poucos os vocalistas com tamanha garra e energia como Rob Halford. Sua voz percorre uma gama de variações que vão do agudo estridente ao grave, com uma potência incrível.

Screaming for Vengeance foi o álbum que me iniciou ao mundo do Heavy Metal quando eu tinha 13 anos, na mesma época em que aconteceu o primeiro e memorável Rock in Rio (1985). Ele é para mim o auge da carreira da banda. Há uma sintonia entre todos, onde os instrumentos se completam por si com arranjos harmônicos e melódicos, solos memoráveis, baixo e bateria coesos, além da voz de Halford. As guitarras estão com timbres maravilhosos, passando clareza e definição em suas tonalidades.

Na época, usaram a música “You’ve Got Another Thing Comin” como single promocional para as rádios, junto com o vídeo clip para as TVs.

Glenn Tipton e K. K. Downing

A música “Screaming for Vengeance” é uma verdadeira paulada que usa fraseados de guitarras em dueto um pouco mais complexo. Esse é um estilo que marcou a banda, sendo imitado posteriormente por diversas outras bandas.

As décadas de 70 e 80 foram as mais prodigiosas para o Heavy metal, jamais veremos tantas bandas boas fazendo músicas de qualidade como nessa época (assim como foram dos anos 30 aos 60 para o jazz, e 60 e 70 para a MPB).

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Papillon

Papillon

Direção: Franklin J. Schaffner

Principais atores: Steve McQueen e Dustin Hoffman

Adaptação do livro autobiográfico de Henri Charrière.

Ano de lançamento: 1973

Aviso: Este artigo contém revelações sobre o enredo (spoilers).

Papillon conta a história de um homem injustamente condenado a prisão perpétua, preso na Ilha do Diabo, na Guiana Francesa.

McQueen e Hoffman

O filme passa-se nos anos 1930, contando a fascinante história verídica de Henri Charrière, interpretado por Steve McQueen, um homem conhecido por Papillon por ter tatuada no peito uma grande borboleta (papillon em francês).

Pelas regras da prisão, qualquer tentativa de fuga é punida com dois anos de permanência na solitária, passando a cinco anos se houver reincidência. Porém nada intimida Papillon, que planeja fugir. Na prisão conhece Louis Dega, interpretado magnificamente por Dustin Hoffman, um famoso falsário de quem se torna amigo. Dega estabelece um acordo com Papillon: ajudá-lo nas tentativas de fuga em troca de proteção. Papillon não perde tempo a planejar fugas, muitas das quais falham. Em uma delas – que dá origem a uma das melhores sequências do filme – consegue chegar juntamente com Dega a uma colônia de hansenianos (leprosos) e depois a uma tribo de índios caribenhos. A fuga não é bem sucedida e Papillon é reenviado para a prisão francesa. Como castigo, é transferido para a invencível Ilha do Diabo, prisão de onde nunca ninguém tinha conseguido escapar.

Henri Charrière

Para mim, sem dúvida é um dos melhores e mais comoventes filmes sobre fugas ou sobre prisões, a dupla McQueen e Hoffman está simplesmente esplêndida, suas interpretações (em atos, expressões, vestimentas) retratam com muita realidade as aventuras e sofrimento dos condenados.

Outra versão de capa

O filme foi indicado para o Oscar de Melhor trilha sonora, e para o Globo de Ouro de Melhor Ator Dramático, pela interpretação de Steve McQueen.

Henri Charriere, autor do livro homônimo que deu origem ao filme, foi um dos poucos prisioneiros que conseguiram fugir da Ilha do Diabo, onde os presos pagavam seus crimes sofrendo degradações e brutalidades.

Hoffman e McQueen

Condenado na França em 1921 por um roubo que nem chegou a ser consumado, René chegou a colônia penal em 1923, quando empreende  uma das fugas mais espetaculares da história. Sua obra, lançada em 1937, escandalizou a França e fez com que o governo daquele país parasse de enviar prisioneiros para a colônia, culminando com o fechamento do presídio em 1953.

O livro

Charrière também escreveu “ Banco”, que é uma continuação do livro Papillon, onde conta o que lhe sucedeu depois de fugir da prisão.

Vale ressaltar também que existe em andamento uma pesquisa feita pelo fotojornalista Platão Arantes, no qual diz que na verdade Papillon foi outra pessoa, chamada René Belbenoit, que está sepultado em Roraima. Com comprovações científicas e periciais, a constatação rendeu uma matéria na revista Isto É no ano passado, repercutindo em vários países. Arantes já lançou dois livros sobre este assunto.

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Dexter Gordon

Dexter Gordon (1923-1990)
sax tenor e soprano

Dexter Gordon é considerado o principal saxofonista tenor a emergir durante a era do bebop. Sua carreira começou em 1940 tocando com Lionel Hampton, e depois nada mais nada menos do que com Charles Mingus, Nat King Cole, Dizzy Gillespie e Louis Armstrong. Logo no início, em 1941 o grande Coleman Hawkins afirmou que Dexter era um seus tenoristas favoritos.

Live Mixtape

Nos anos 50, problemas com drogas forçaram Dexter a períodos de inatividade e até mesmo levaram-no à prisão. Em 1960, recuperado e imbuído de novo ânimo, voltou a ativa novamente.

Em 1986, no filme Round Midnight (“Por volta da meia noite”), que teve trilha sonora composta por Herbie Hancock,  Dexter fez o convincente papel de um músico de jazz alcoólatra, pelo qual recebeu uma indicação para o Óscar de Melhor Ator.

Live at the Amsterdam Paradiso

Típico jazzista norte americano, Influenciado por Lester Young, o som de Dexter é caracterizado pela leveza, com um fraseado usualmente relaxado e lírico, embora fosse plenamente capaz de uma abordagem mais agressiva, dependendo da ocasião, afinal, ele era oriundo do bebop.

Envolvente como uma onda de mar, sua musica tem o poder de “hipnotizar” aquele que o ouve com mais atenção, levando a mente para lugares distantes…. uma música que poderia representar  bem essa descrição é a “Society red”, gravada em 1961, com a colaboração de Freddie Hubbard no trompete.

Sua música influenciou muitos jazzistas, e sua figura se tornou cult entre o grande público.

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O Corvo - Edgar Allan Poe

O Corvo (The raven)

Autor: Edgar Allan Poe

1845

Poema notável por sua musicalidade, língua estilizada e atmosfera sobrenatural provenientes tanto da exatidão métrica, permeada de rimas internas e jogos fonéticos, quanto do talento singular de Poe, escritor americano, e um dos maiores expoentes da literatura.

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Numa sombria madrugada, enquanto eu meditava, fraco e cansado, sobre um estranho e curioso volume de folclore esquecido; enquanto cochilava, já quase dormindo, de repente ouvi um ruído. O som de alguém levemente batendo, batendo na porta do meu quarto. “Uma visita,” disse a mim mesmo, “está batendo na porta do meu quarto – É só isto e nada mais.”

Ah, que eu bem disso me lembro, foi no triste mês de dezembro, e que cada distinta brasa ao morrer, lançava sua alma sobre o chão. Eu ansiava pela manhã. Buscava encontrar nos livros, em vão, o fim da minha dor – dor pela ausente Leonor – pela donzela radiante e rara que chamam os anjos de Leonor – cujo nome aqui não se ouvirá nunca mais.

E o sedoso, triste e incerto sussurro de cada cortina púrpura me emocionava, me enchia de um terror fantástico que eu nunca havia antes sentido. E buscando atenuar as batidas do meu coração, eu só repetia: “É apenas uma visita que pede entrada na porta do meu quarto – Uma visita tardia pede entrada na porta do meu quarto; – É só isto, só isto, e nada mais.”

Mas depois minha alma ficou mais forte, e não mais hesitando falei: “Senhor”, disse, “ou Senhora, vos imploro sincero vosso perdão. Mas o fato é que eu dormia, quando tão gentilmente chegastes batendo; e tão suavemente chegastes batendo, batendo na porta do meu quarto, que eu não estava certo de vos ter ouvido”. Depois, abri a porta do quarto. Nada. Só havia noite e nada mais.

Encarei as profundezas daquelas trevas, e permaneci pensando, temendo, duvidando, sonhando sonhos mortal algum ousara antes sonhar. Mas o silêncio era inquebrável, e a paz era imóvel e profunda; e a única palavra dita foi a palavra sussurrada, “Leonor!”. Fui eu quem a disse, e um eco murmurou de volta a palavra “Leonor!”. Somente isto e nada mais.

De volta, ao quarto me volvendo, toda minh’alma dentro de mim ardendo, outra vez ouvi uma batida um pouco mais forte que a anterior. “Certamente,” disse eu, “certamente tem alguma coisa na minha janela! Vamos ver o que está nela, para resolver este mistério. Possa meu coração parar por um instante, para que este mistério eu possa explorar. Deve ser o vento e nada mais!”

Abri toda a janela. E então, com uma piscadela, lá entrou esvoaçante um nobre Corvo dos santos dias de tempos ancestrais. Não pediu nenhuma licença; por nenhum minuto parou ou ficou; mas com jeito de lorde ou dama, pousou sobre a porta do meu quarto. Sobre um busto de Palas empoleirou-se sobre a porta do meu quarto. Pousou, sentou, e nada mais.

Depois essa ave negra, seduzindo meu triste semblante, acabou por me fazer sorrir, pelo sério e severo decoro da expressão por ela mostrada. “Embora seja raspada e aparada a tua crista,” disse eu, “tu, covarde não és nada. Ó velho e macabro Corvo vagando pela orla das trevas! Dize-me qual é teu nobre nome na orla das trevas infernais!”.

E o Corvo disse: “Nunca mais.”

Muito eu admirei esta ave infausta por ouvir um discurso tão atenta, apesar de sua resposta de pouco sentido, que pouca relevância sustenta. Pois não podemos deixar de concordar, que ser humano algum vivente, fora alguma vez abençoado com a vista de uma ave sobre a porta do seu quarto; ave ou besta sobre um busto esculpido, sobre a porta do seu quarto, tendo um nome como “Nunca mais.”

Mas o corvo, sentado sozinho no busto plácido, disse apenas aquela única palavra, como se naquela única palavra sua alma se derramasse. Depois, ele nada mais falou, nem uma pena ele moveu, até que eu pouco mais que murmurei: “Outros amigos têm me deixado. Amanhã ele irá me deixar, como minhas esperanças têm me deixado.”

Então a ave disse “Nunca mais.”

Impressionado pelo silêncio quebrado por resposta tão precisa, “Sem dúvida,” disse eu, “o que ele diz são só palavras que guardou; que aprendeu de algum dono infeliz perseguido pela Desgraça sem perdão. Ela o seguiu com pressa e com tanta pressa até que sua canção ganhou um refrão; até ecoar os lamentos da sua Esperança que tinha como refrão a frase melancólica ‘Nunca – nunca mais.’ “

Mas o Corvo ainda seduzia minha alma triste e me fazia sorrir. Logo uma cadeira acolchoada empurrei diante de ave, busto e porta. Depois, deitado sobre o veludo que afundava, eu me entreguei a interligar fantasia a fantasia, pensando no que esta agourenta ave de outrora, no que esta hostil, infausta, horrenda, sinistra e agourenta ave de outrora quis dizer, ao gritar, “Nunca mais.”

Concentrado me sentei para isto adivinhar, mas sem uma sílaba expressar à ave cujos olhos ígneos no centro do meu peito estavam a queimar. Isto e mais eu sentei a especular, com minha cabeça descansada a reclinar, no roxo forro de veludo da cadeira que a luz da lâmpada contemplava, mas cujo roxo forro de veludo que a lâmpada estava a contemplar ela não iria mais apertar, ah, nunca mais!

Então, me pareceu o ar ficar mais denso, perfumado por invisível incensário, agitado por Serafim cujas pegadas ressoavam no chão macio. “Maldito,” eu gritei, “teu Deus te guiou e por estes anjos te enviou. Descansa! Descansa e apaga o pesar de tuas memórias de Leonor. Bebe, oh bebe este bom nepenthes e esquece a minha perdida Leonor!”

E o Corvo disse: “Nunca mais.”

“Profeta!” disse eu, “coisa do mal! – profeta ainda, se ave ou diabo! – Tenhas sido enviado pelo Tentador, tenhas vindo com a tempestade; desolado porém indomável, nesta terra deserta encantado, neste lar pelo Horror assombrado, dize-me sincero, eu imploro. Há ou não – há ou não bálsamo em Gileade? – dize-me – dize-me, eu imploro!”

E o Corvo disse: “Nunca mais.”

“Profeta!” disse eu, “coisa do mal! – profeta ainda, se ave ou diabo! Pelo Céu que sobre nós se inclina, pelo Deus que ambos adoramos, dize a esta alma de mágoa carregada que, antes do distante Éden, ela abraçará aquela santa donzela que os anjos chamam de Leonor; que abraçará aquela rara e radiante donzela que os anjos chamam Leonor.”

E o Corvo disse: “Nunca mais.”

“Que essa palavra nos aparte, ave ou inimiga!” eu gritei, levantando – “Volta para a tua tempestade e para a orla das trevas infernais! Não deixa pena alguma como lembrança dessa mentira que tua alma aqui falou! Deixa minha solidão inteira! – sai já desse busto sobre minha porta! Tira teu bico do meu coração, e tira tua sombra da minha porta!”

E o Corvo disse: “Nunca mais.”

"Nunca mais"

E o Corvo, sem sequer se bulir, se senta imóvel, se senta ainda, sobre o pálido busto de Palas que há sobre a porta do meu quarto. E seus olhos têm toda a dor dos olhos de um demônio que sonha; e a luz da lâmpada que o ilumina, projeta a sua sombra sobre o chão. E minh’alma, daquela sombra que jaz a flutuar no chão, levantar-se-á – nunca mais!

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Tradução: Elder da Rocha

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Pink Floyd - The final cut

Pink Floyd – The final cut

Ano de lançamento: 1983

Originalmente idealizado para ser a trilha sonora do filme “The Wall”, com o subtítulo de “A requiem for the post war dream” (uma elegia para o sonho do pós-guerra), evoluiu para se tornar mais um álbum conceitual contra a guerra.

Contra-capa

O álbum é divido em duas histórias separadas que se intercalam. Uma parece ser a visão de Waters sobre os problemas do mundo atual (na época em que foi gravado), como por exemplo  a Guerra das Malvinas, além de críticas a Margaret Thatcher, Ronald Reagan e Menahem Begin, entre outros. Waters expõe também a sua visão do mundo e termina o álbum com um holocausto nuclear que teme poder vir a acontecer.

Há também uma pequena história sobre a paranóia de um veterano da II Guerra Mundial presumivelmente por ter se envolvido no bombardeamento a Dresden. Vale lembrar que o pai de Waters foi morto na II guerra e sua inconformidade com essa questão se reflete nas músicas que compôs neste álbum.

Roger Waters

Foram feitos vídeos clips de quatro canções do álbum, incluindo Not Now John, a mais veiculada pelas rádios na época em que saiu.

Com certeza um dos discos mais controversos do Floyd. Waters quase não teve a ajuda de seus companheiros de banda, todas as letras e canções são de sua autoria, poderia muito bem ser considerado um trabalho solo dele.  Podemos ver isso claramente na frase escrita na contracapa: “Uma obra de Roger Waters, executado por Pink Floyd”. Neste disco Richard Wright foi substituído por Andy Bown e Michael Kamen, no qual também fez os arranjos e a regência da orquestra. O saxofonista Raphael Ravenscroft (que já gravou com Marvin Gaye, Alvin Lee, Robert Plant, ABBA, Mike Oldfield e Phil Collins) fez uma esplendida participação em 2 músicas.

Capa - vídeos clips

The final cut é o típico disco onde se ama ou se odeia. Apesar de toda polêmica, eu fico do lado dos “que amam”. Ele invoca o lado agressivo e ao mesmo tempo suave e requintado da música de Waters. Há muito sentimento em forma de poesia e música. Os solos de guitarras do Gilmour estão rasgantes e muito bem feitos (como sempre).

Comecei a ouvir o The final cut logo após que foi lançado, e parece que quanto mais ouço, mais gosto…. é um de meus discos de cabeceira.

Clip “The final cut”: http://www.youtube.com/watch?v=JEocb9emp_c

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O glorioso acidente

O glorioso acidente

Autor: Clemente Nóbrega

Ano de lançamento: 1998

Prefácio do autor:
“Escrevi este livro para oferecer uma alternativa. Acho lamentável que pessoas curiosas e interrogadoras tenham uma oferta explosiva de esoterismos, misticismos, espiritualismos e outros “ismos”, e que não haja ninguém que lhes diga: “Ei, você quer entender? Tente a ciência”. É essa a sugestão que quero lhe fazer. Tente a ciência.”

O livro fala sobre a grande estrela da ciência neste final de século: a mente humana. Mente que é o resultado daquilo que o cérebro faz.

As novidades que têm sido descobertas sobre a mente lançam uma luz nova sobre várias e antigas questões. Todas tendo a ver com a natureza humana, e o cérebro, que é resultado do trabalho da seleção natural operando durante um período extremamente grande de tempo.

O livro procura assegurar que o entendimento que a ciência traz pode ser nossa grande fonte de realização pessoal. Será a mente capaz de entender a própria mente? Este livro mostra que sim.

clemente_Nóbrega

Einstein e Frankenstein simbolizam nesta obra nossas procuras mais íntimas, dois lados de uma mesma moeda. Razão e instinto, ciência e acaso – dia a dia nos encontramos diante do embate destas forças poderosas. Entendendo alguns processos de nossa vida diária poderemos viver melhor.

A mente humana e os jogos que ela joga diante do desafio de descobrir ordem no caos que nos rodeia – com base científica, é o que este livro tem a oferecer.

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Billie Holiday

Billie Holiday – Uma diva especial do Jazz

Considerada por muitos a maior cantora de jazz de todos os tempos, Billie Holiday  (1915 – 1959), encantou o mundo com canções que retratavam grandes sentimentos.

Billie e Armstrong (ao fundo) 1947

Americana negra e pobre, teve um pai que abandonou a família quando ela era ainda um bebê, e sua mãe também freqüentemente se ausentava, deixando-a com familiares. Billie passou por todos os sofrimentos possíveis, aos dez anos foi violentada sexualmente por um vizinho, e internada numa casa de correção para meninas vítimas de abuso. Aos doze, trabalhava lavando o chão de prostíbulos, aos quatorze caiu na prostituição, aos 15 estando mãe e filha ameaçadas de despejo, teve que sair a rua em desespero, na busca de algum dinheiro.Assim, Billie conseguiu uma vaga como cantora em um bar no Harlem, em uma época de segregação racial (anos 30).

"On a sentimental side"

Billie nunca teve educação formal de música e seu aprendizado autodidata se deu ouvindo Bessie Smith e Louis Armstrong.

Cantando em diversas casas, conseguiu atrair atenção e gravou seu primeiro disco com a big band de Benny Goodman. Era o início de sua carreira. Depois cantou com as big bands de Artie Shaw,  Duke Ellington, Louis Armstrong.e Count Basie.

A partir de 1940, apesar do sucesso, Billie sucumbiu ao álcool e às drogas, passando por momentos de depressão, que se refletia em sua voz. Sua morte prematura (com 44 anos) foi devido a overdose de drogas.

Billie Holiday foi uma das mais comoventes cantoras de jazz, com uma voz suave, etérea, flexível, levemente rouca, expressando incrível profundidade de emoção, tendo a ver com o estilo do saxofonista Lester Young, com quem em quatro anos, gravou cerca de cinqüenta canções, repletas de swing e cumplicidade.

Sweet lady

Algumas de suas mais lindas canções, pra mim são: Glummy sunday (regravada por diversas artistas populares e de jazz), You let me down, One never knows, On a sentimental side, My man, Tell me more, Georgia on my mind, e a maravilhosa God bless the child.

Não há anda como numa tarde de domingo, ler um bom livro ao som de Billie, aos sopros de um bom e velho charuto baiano ou cubano!

“God bless the child”:  http://www.youtube.com/watch?v=Z_1LfT1MvzI

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O bebê de Rosemary

O Bebê de Rosemary

Anode lançamento: 1968

Direção: Roman Polanski

Principais atores: Mia Farrow, John Cassavetes e Ruth Gordon

O filme tem direção e roteiro do mestre Roman Polanski, e é baseado no romance homônimo de Ira Levin, publicado em 1967.

Capa do livro

Considerado um clássico dos filmes de terror, foi filmado no imponente edifício Dakota, localizado em frente ao Central Park, mesmo prédio onde John Lennon morou.

Não posso dizer muito sobre a história para não tirar a surpresa dos que ainda não viram. Resumindo, os recém casados Rosemary e Guy se mudam para um prédio habitado por pessoas estranhas, depois que ela engravida, começa a perceber que alguma coisa está errada. O filme vai ganhando cada vez mais o ritmo de tensão, e o desespero da protagonista em busca de ajuda.

Mestre Polanski

Um filme com muito suspense, muita tensão e atuação brilhantíssima por parte de todos os atores, sem exceção. Roteiro e direção muito bem elaborados, no melhor do estilo “Hitchcockiano”, (no qual Polansky tem influências). As locações, os enquadramentos, a música,

Edifício Dakota

foi tudo muito bem planejado e executado para proporcionar o clima sombrio e desesperador que a história exige. Assim como em “Psicose”, ou “A bruxa de Blair”, esse é um daqueles filmes em que, sem nenhum derramamento de sangue, provoca terror. É o tipo de  terror psicológico.

Mia Farrow

O filme recebeu 3 grandes prêmios e diversas indicações. Livro e filme Sensacionais…  imperdíveis, daqueles que resistem ao tempo, e nunca  enjoa de se ver novamente.

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Megadeth - Peace Sells... but Who's Buying?

Megadeth

Peace Sells… but Who’s Buying?

Ano de lançamento: 1986

Peace Sells é o segundo álbum da banda de thrash metal Megadeth. A maioria dos temas fala sobre guerra e política em tom de crítica, e traz na capa o mascote da banda com uma placa na mão escrito For Sale (a venda). Dave Mustaine, líder da banda, quis dizer que a ONU está se vendendo.

Dave Mustaine

A faixa “Peace Sells” é uma das mais conhecidas e atingiu o 11º lugar no VH1 40 Greatest Metal Song.

Nesse disco a banda mostra um metal vigoroso, executado com muita energia e habilidade, característico das bandas de trash metal que começaram no início da década de 80.

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Sgt Peppers Lonely Heart Club Band

The Beatles

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

Ano de lançamento: 1967

Mais uma obra de arte.

É freqüentemente citado como o melhor e mais influente álbum da história do rock e da música, além de inovador desde sua técnica de gravação até a elaboração da capa. Foi gravado em apenas 4 meses e vendeu 11 milhões de cópias só nos Estados Unidos. Influenciou grandes bandas da época como Velvet Underground, Beach Boys, Jimi Hendrix, Frank Zappa, Jefferson Airplane, Pink Floyd, e continuou a influenciar muitas das gerações subseqüentes, como Tears for fears, Yes, King Crimson, entre outros.

Ringo, Paul, Jhon e George

A partir de 1967 os Beatles se cansaram das turnês e resolveram se tornar uma banda de estúdio, não mais excursionando. Isso possibilitou que dedicassem mais tempo para a gravação dos próximos discos, e Sgt Peppers seria o primeiro deles. Começaram a estudar e utilizar novos instrumentos como a sitar, o órgão Hammond e outros de sopro e percussão, além de utilizar efeitos sonoros novos como a alteração da velocidade das vozes. As canções deste disco extrapolam os limites do rock, agregando orquestrações, instrumentos hindus e exóticos, com composições de estilo Rock, balada, jazz, psicodélico e música oriental.

Gravado em uma época de psicodelismo e experimentação, o álbum conceitual, produzido por George Martin, foi gravado em oito canais. Ao escutar, me surpreende saber que gravaram tantos instrumentos e com excelente qualidade em apenas 8 canais! além do fato de ter sido feito numa época em que não havia recursos tecnológicos avançados como hoje; foi um trabalho totalmente artesanal, que o caracteriza ainda mais como uma obra prima única jamais vista no cenário musical.

George Martin, Paul e Ringo

Por especulação da crítica, algumas canções, como A Day in The Life e Lucy in the Sky with Diamonds diziam se referir a drogas, porém na época Lennon e McCartney negaram tal suposições. Anos mais tarde, McCartney declarou que “lucy in the sky” realmente se refere ao LSD.

As músicas, uma pérola atrás da outra, são: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, With a Little Help from My Friends, Lucy in the Sky with Diamonds, Getting Better, Fixing a Hole, She’s Leaving Home, Being for the Benefit of Mr. Kite!, Within You Without You, When I’m Sixty-Four, Lovely Rita, Good Morning Good Morning, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise), A Day in the Life.

A day in the life fecha o disco, e assim como a Across the universe (do disco Let it be de 69), soa pra mim como algo transcedental, magníficamente linda.
Essas duas estão no topo das que mais gosto.

Todos os quatro músicos demonstram toda sua versatilidade, em especial Paul e sua capacidade de alternar entre harmonias e Lennon com sua voz sonhadora. Os dois compuseram todas as músicas, exceto Within You Without You, que foi composta por Harrison.

Dois grandes sucessos da banda, Strawberry Fields Forever e Penny Lane, estariam em Sgt.Pepper´s, mas foram lançados em seu álbum seguinte “Magical Mystery tour” pois não couberam no disco.

Os Beatles ganharam quatro prêmios Grammy pelo trabalho: melhor álbum do ano, melhor capa de álbum, melhor álbum de música contemporânea e melhor engenheiro de som. Também ganhou o título de melhor disco de todos os tempos, pela revista Rolling Stone.

“A day in the life” vrs. alternativa: http://www.youtube.com/watch?v=K1s_O8QrNmI

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Eloy - Ocean

Eloy

Ocean

Ano de lançamento: 1976

Eloy é uma banda alemã de rock progressivo formada no começo dos anos 70, cujos estilos musicais incluem rock sinfônico e space rock. O nome da banda foi inspirado em Eloi, uma raça do futuro na novela A Máquina do Tempo, de H.G. Wells.

Os 4 integrantes

Ocean é o sexto álbum de estúdio da banda, lançado em 1976 e considerado um dos melhores. É um álbum conceitual e trata sobre a mitologia grega, combinando a história de Poseidon e o mito de Atlântida.

Explorando diversos recursos de sintetizadores, a banda se caracteriza pelos vocais de timbres incomparáveis de Frank Bornemann; resultando um conjunto final com estilo futurista e “viajante”, características comuns dentro do rock progressivo.

Seu álbum seguinte, “Silent Cries and Mighty Echoes”, de 1979 atingiu o auge em vendas e tornou a banda mais conhecida. Assim como o Ocean, considero este também entre os melhores.

Silent Cries and Mighty Echoes

Abaixo, a letra da música Mighty Echoes… uma bela letra para uma bela canção.

Just take a pebble and cast it to the silent sea,
What does happen?
Just have a thought, cry a word or pray a silent plea
Do you know what will happen?
Billows arise and our senses catch a proof of energy!
Do we know laws of nature?
All one what we feel or do Echoes return from eternity!
We’ll come to know our creator!
We can’t stop the echoes
Which are called forth by our animation,
We can’t hide from the echoes,
From the truth of our soul

All divine forces around us!
As long as we refuse to understand
That we are here to spread out power of love!
Are we actually informed
About the mission of our life?
Do we know what we’re composed
Of the Trinity – of heart, soul, and mind?
Our dark nights only come to bright end
When we learn – Violence makes us sick and blind!
Creation’s aim and end, aspiration is to rise
The beam of love in our mind!
When we’re sowing fear, when we lock up
We will reap all the tears
All the tears that seperate!
All our silent cries our thoughts, our deeds
Will call forth what we earn, will arise mighty echoes!

Echoes return from infinity

Atire uma pedra dentro de um mar calmo,
O que acontece?
Faça um pensamento, diga uma palavra, chore ou faça uma oração silenciosa
Você sabe o que vai acontecer?
Ondas surgirão, e nossos sentidos receberão energia
Não sabemos as leis da natureza?
Tudo o que sentimos ou fazemos ecoa para a eternidade
Iremos conhecer o nosso criador
Não podemos parar os ecos que são gerados pelas nossas ações
Não podemos esconder os ecos das nossas almas
Forças divinas nos rodeiam e no entanto nos recusamos a entender
que estamos aqui para espalhar o amor
Será que estamos realmente informados sobre a missão da nossa vida?
Somos compostos da Trindade coração, alma e mente

Nossas noites escuras só chegarão ao fim
quando aprendermos que a violência nos deixa doentes e cegos
O objetivo da Criação é a aspiração de elevar
o feixe de amor em nossas mentes
Quando semeamos o medo, quando nos fechamos,
vamos colher as lágrimas que separam
Todos os gritos silenciosos, pensamentos e ações
atrairão os poderosos ecos !

“Decay of logos”: http://www.youtube.com/watch?v=Rwem1MRS78Q

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O Processo

O Processo

Autor: Franz Kafka

Ano de lançamento: 1925

O romance foi publicado após a morte de Franz Kafka, em 1925 pelo seu amigo Max Brod.

Conta a história de Josef K., personagem que acorda certa manhã, e, sem motivos sabidos, é preso e sujeito a longo e incompreensível processo por um crime não revelado. É o paradigma do perseguido que desconhece as causas reais de sua perseguição, numa atmosfera claustrofóbica e desorientada, tendo que se ater apenas às elucidações alegóricas e dúbias vindas de variadas fontes, sem nunca ser informado por que motivos está sofrendo o processo.

Franz Kafka

Beirando a loucura, a história segue à seqüência infindável de surpresas quase surreais, geradas por uma lei maior e inacessível, que está no entanto em perfeita conformidade com os parâmetros da sociedade moderna. O absurdo presente em toda obra é o ponto de partida, sem conclusão, da confusão que se desenrola na mente de Josef K., assim como em todos os ambientes nos quais ele está inserido, o que dá ao leitor a sensação incômoda própria do estilo da obra kafkaniana

Perkins e Welles

Ao declarar sua inocência, K. é perguntado “inocente de quê?”. Talvez o processo contra K. tenha sido instaurado por sua incapacidade de confessar sua culpa, e, por conseguinte, sua humanidade. O tema, largamente explorado por Kafka em toda sua obra, da não-humanidade torna o livro atual, provocando questionamentos dos costumes e crenças arbitrários da vida, que podem parecer, sob certo aspecto, tão bizarros quanto os acontecimentos da vida de K.

K. Cumpre ritos inexplicáveis, comparece a tribunais estapafúrdios, submete-se a ordens desconexas e se vê de tal modo enredado numa situação ilógica, que a narrativa aproxima-se da descrição de pesadelos. Mas não distam muito de pesadelos dos processos da vida real  que tramitam nos vãos da estrutura pesada, arcaica e burocrática  das instituições da Justiça, de modo que, por fim, Kafka terá sempre o mérito de ter, no início do século passado, retratado a sociedade de muitos povos com fidelidade e crueza, levando sua obra à imortalidade.

Cartaz do filme

Sutilmente ainda podemos perceber criticas ao poder (governo), religião e escola.

A adaptação mais bem  sucedida para o cinema foi feita em 1962 pelo do diretor Orson Welles, com Anthony Perkins no papel de Josef K. Este filme conseguiu retratar a história com toda a peculiaridade e dramaticidade que o livro transmite.

O Processo fornece por meio de um conto que mais se assemelha a uma parábola, a negação do estado democrático de direito e, ao mesmo tempo, leva o leitor a perceber que mesmo vivendo sob a égide da democracia, as instituições não se resguardam apenas na razão de prestadoras de serviço público, mas também na exploração exacerbada do poder e autoridade sobre o cidadão comum, fato peculiar entre as camadas dominantes.

Realidade "imitando" a ficção

Antes de morrer, Kafka teria pedido ao amigo Brod que queimasse os escritos, pois achava que ainda não era a versão definitiva.

Se uma obra tão boa como essa, não é considerada (pelo autor) como a definitiva, fico imaginando, como seria a definitiva…

…Inimaginável !

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Blade Runner

Blade Runner – O caçador de andróides

Ano de lançamento: 1982

Direção: Ridley Scott

Atores: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos, Daryl Hannah

Baseado no livro Do Androids Dream of Electric Sheep? de Philip K. Dick

Trilha sonora: Vangelis

Los Angeles 2019

O filme descreve um futuro em que uma grande corporação inicia a colonização espacial, criando seres geneticamente alterados, o replicantes, que são mais forte e ágeis que o ser humano e com o mesmo potencial de inteligência, além de mais agressivos e sem estabilidade emocional.

Os replicantes são utilizados como escravos na colonização e exploração de outros planetas e seu período de vida se limita a 4 anos.

Harrison Ford como Deckard

Seu comportamento e sua aparência física são as mesmas que de um ser humano, dificultando dessa forma a sua real identificação.

Policiais daqui da Terra de um esquadrão de elite, conhecidos como Blade Runners, têm ordem para atirar para matar replicantes dissidentes que aqui se encontram. Tal ato não é chamado de remoção.

Em 2019, na cidade de Los Angeles, quando cinco replicantes dissidentes vem para cá com o intuito de localizar seu criador para forçá-lo a aumentar seus períodos de vida, um ex-Blade Runner Deckard (Harrison Ford), conhecido como “expert” no assunto, é encarregado de caçá-los, porém acaba se envolvendo emocionalmente com uma replicante, gerando um grande impasse à história.

O caçador em ação

Ao visitar Tyrell, o criador dos replicantes, Deckard conhece sua jovem assistente Rachael, que também é uma replicante munida com todas as memórias de uma sobrinha de Tyrell, e apoiada nisso não consegue acreditar que é uma replicante. A cena em que ela é submetida a um teste é uma das mais comoventes do filme.

O filme tem um fundo com questão filosófica sutil, um a um os replicantes são caçados, e ao longo do filme parecem adquirir características humanas, enquanto os verdadeiros humanos que os caçam parecem adquirir, cada vez mais, características desumanas. Ao fim, as questões que afligem os replicantes acabam se tornando as mesmas que afligem os humanos.

Airship em ação

A trilha sonora composta por Vangelis cai maravilhosamente bem de acordo com o clima do filme, criando nostalgia, futurismo e fantasia.

As imagens futuristas que aparecem filme são impressionantes, feitas com perfeição (considerando também que foram feitas em 1982).

O filme ganhou Oscar de melhor direção de arte e melhores efeitos visuais, além de outros prêmios de melhor figurino, melhor fotografia e melhor trilha sonora.

“Blade runner blues”: http://www.youtube.com/watch?v=RScZrvTebeA

“Tears in the rain”: http://www.youtube.com/watch?v=VupxqjTGAyk

Onde encontrar: http://www.buscape.com.br/

Genesis - The Lambs Lies Down on Broadway

Genesis

The lambs lies down on Broadway

Ano de lançamento: 1974

O álbum conta a história surreal do jovem delinqüente porto riquenho Rael, que morando em Nova Iorque é varrido para uma dimensão alternativa com criaturas bizarras e outros perigos, com a missão de resgatar seu irmão John. Escrita por Peter Gabriel, várias ocorrências e lugares descritos derivam de sonhos do próprio, e o nome do protagonista é um trocadilho com seu sobrenome.

Genesis 1975

Durante a pré-produção de The Lamb, Gabriel contactou o cineasta William Friedkin, na época aproveitando o grande sucesso de O Exorcista, para um possível filme. Apesar da desaprovação dos outros membros, Gabriel deixou a banda para trabalhar em alguns rascunhos, mas acabou voltando, pois o projeto não foi adiante.

Na turnê desse disco Gabriel começou a usar criações assustadoras no palco e o show logo deixaria os demais integrantes irritados, pois Gabriel parecia ser a grande estrela e não o Genesis. Os demais membros ficavam escondidos ou em segundo plano, gerando mais conflitos internos.

Após a turnê Gabriel decidiu sair da banda por definitivo, tornando o assunto público em agosto de 1975. A partir daí iniciou uma bela carreira solo que perdura até hoje com sua característica marcante de acrescentar aos shows criativas formas visuais e tecnologias alternativas.

Sem ele, a história do Gênesis seria outra.

Peter Gabriel e Phil Collins

“The Lambs lies down” é para mim o melhor disco do Genesis, onde contém a essência do rock progressivo, com muitas “viagens” e arranjos elaborados, bastante destaque para os teclados de Peter Banks e a magnífica voz de Gabriel. Nesse disco também Mike Rutherford usou um efeito diferente que destacou seu baixo, contribuindo para que  The Lamb seja uma obra única e sem comparações.

Em “Fly On A Windshield” os teclados se interpõe criando uma atmosfera mística para os vocais.

“Back In N.Y.C.” pra mim está entre as 10 melhores do Gênesis. É uma canção sobre o estilo de vida agressivo do personagem Rael. Gabriel encarna essa forma agressiva transpondo para a música muita competência e genialidade.

Gabriel em uma das fantasias

“The Carpet Crawlers” é um lindo clássico. Foi executada na voz de Phil Collins  após a saída de Gabriel, no disco “Seconds out” em 1977.

Em “The Waiting Room” Phil Collins demonstra parte de suas habilidades na bateria. Em cima de uma base instrumental fixa ele faz diversas variações de ritmos e andamentos.

O disco ainda teve a colaboração de Brian Eno, que fez algumas ambientações.

Imperdível pra quem curte boa música.

“Back in NYC”: http://www.youtube.com/watch?v=8uA6oy46e4o

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“Trate criança como criança !”

Declaração dos Direitos da Criança

1º Princípio – Todas as crianças são credoras destes direitos, sem distinção de raça, cor, sexo, língua, religião, condição social ou nacionalidade, quer sua ou de sua família.

2º Princípio – A criança tem o direito de ser compreendida e protegida, e devem ter oportunidades para seu desenvolvimento físico, mental, moral, espiritual e social, de forma sadia e normal e em condições de liberdade e dignidade. As leis devem levar em conta os melhores interesses da criança.

3º Princípio – Toda criança tem direito a um nome e a uma nacionalidade.

Escola para todos

4º Princípio – A criança tem direito a crescer e criar-se com saúde, alimentação, habitação, recreação e assistência médica adequadas, e à mãe devem ser proporcionados cuidados e proteção especiais, incluindo cuidados médicos antes e depois do parto.

5º Princípio – A criança incapacitada física ou mentalmente tem direito à educação e cuidados especiais.

6º Princípio – A criança tem direito ao amor e à compreensão, e deve crescer, sempre que possível, sob a proteção dos pais, num ambiente de afeto e de segurança moral e material para desenvolver a sua personalidade. A sociedade e as autoridades públicas devem propiciar cuidados especiais às crianças sem família e àquelas que carecem de meios adequados de subsistência. É desejável a prestação de ajuda oficial e de outra natureza em prol da manutenção dos filhos de famílias numerosas.

Vacinação

7º Princípio – A criança tem direito à educação, para desenvolver as suas aptidões, sua capacidade para emitir juízo, seus sentimentos, e seu senso de responsabilidade moral e social. Os melhores interesses da criança serão a diretriz a nortear os responsáveis pela sua educação e orientação; esta responsabilidade cabe, em primeiro lugar, aos pais. A criança terá ampla oportunidade para brincar e divertir-se, visando os propósitos mesmos da sua educação; a sociedade e as autoridades públicas empenhar-se-ão em promover o gozo deste direito.

Amor, carinho e proteção

8º Princípio – A criança, em quaisquer circunstâncias, deve estar entre os primeiros a receber proteção e socorro.

9º Princípio – A criança gozará proteção contra quaisquer formas de negligência, abandono, crueldade e exploração. Não deve trabalhar quando isto atrapalhar a sua educação, o seu desenvolvimento e a sua saúde mental ou moral.

10 º Princípio – A criança deve ser criada num ambiente de compreensão, de tolerância, de amizade entre os povos, de paz e de fraternidade universal e em plena consciência que seu esforço e aptidão devem ser postos a serviço de seus semelhantes.

Chega de violência

O que determina a Constituição Federal:

“Art. 227. É dever da família, da sociedade e do Estado assegurar à criança e ao adolescente, com absoluta prioridade, o direito à vida, à saúde, à alimentação, à educação, ao lazer, à profissionalização, à cultura, à dignidade, ao respeito, à liberdade e à convivência familiar e comunitária, além de colocá-los a salvo de toda forma de negligência, discriminação, exploração, violência, crueldade e opressão”.

Sementes do futuro

No site “Portais da família” encontram-se vários links, todos relacionados ao apoio e proteção da criança:

http://www.portaldafamilia.org.br/sclinks/pf_links.shtml

Dicas de prevenção de acidentes:

http://www.criancasegura.org.br/dicas_prevencao.asp

Sites sobre crianças desaparecidas:

http://br.missingkids.com/missingkids/servlet/PublicHomeServlet

http://www.maesdase.org.br/

http://www.fia.rj.gov.br/SOS.htm

Calendário básico de vacinação infantil:

http://portal.saude.gov.br/portal/saude/visualizar_texto.cfm?idtxt=21462

Doações:

http://www.aldeiasinfantis.org.br/Pages/default.aspx

http://www.ligasolidaria.org.br/

http://www.lalec.org/

Adoção:

http://www.mp.rs.gov.br/areas/infancia/arquivos/adocaopassoapassso.pdf

Denuncia ao trabalho infantil:

http://www.mte.gov.br/trab_infantil/default.asp

http://www.promenino.org.br

Denuncia ao Bullying:

http://alcaraz.wordpress.com/

http://violencianaescola.pbworks.com/Como-denunciar-o-bulling

http://bullyingestoufora.blogspot.com/2010/01/como-faco-para-dazer-uma-denuncia-de.html

Grace Slick - Manhole

Grace Slick

Manhole

Ano de lançamento: 1973

Grace Slick, cantora e compositora, conhecida por ter sido um dos líderes da banda de rock psicodélico Jefferson Airplane e posteriormente das bandas Jefferson Starship e Starship, além de seu trabalho solo; é considerada uma das mais importantes personalidades a levar o rock psicodélico à mídia.

Grace

As canções “Somebody to Love” e “White Rabbit” do Jeferson Airplane aparecem na lista das 500 melhores canções de todos os tempos promovida pela revista Rolling Stone.

Slick foi uma figura importante no desenvolvimento do rock no final da década de 1960. Seu estilo ímpar exerceu influência em outras artistas como Sandy Denny e Dolores O’Riordan e Janis Joplin. Seu estilo sem compromisso e seu talento musical ajudaram a abrir portas para mais artistas mulheres no mundo do rock, até então dominado por homens.

Grace e Janis Joplin

Slick era uma figura controvertida e audaciosa, em 1969 foi convidada por uma colega influente para uma festa na Casa Branca e planejou colocar LSD no chá do presidente Nixon. Entretanto, o plano falhou após ela ter sido proibida até mesmo de entrar na Casa Branca. Em alguns shows ela se pintava de negro apenas para contestar e provocar a crítica.

Grace lançou uma autobiografia em 1998, “Grace Slick: Somebody to Love? A Rock and Roll Memoir”.

Grace

Manhole foi o primeiro álbum solo dessa magnífica vocalista, onde contou com alguns músicos do Jeferson Airplane. Na época, o disco não foi muito reconhecido pela crítica, porém muitos dos grandes músicos o citam até hoje pela notável qualidade artística, e eu o tenho como um dos melhores trabalhos que o rock já presenciou.

Grace

“Theme from manhole”: http://www.youtube.com/watch?v=4ns6Uj18Dfc

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Frank Zappa - Joe's Garage

Frank Zappa

Joe’s Garage

Ano de lançamento: 1979

Controvertido, cínico, mordaz, irônico, polêmico, inovador, adjetivos que são marcas de Frank Zappa, um dos mais geniais músicos da história, apaixonado por sua arte, e que nunca permitiu ser rotulado. Por ter sido um crítico incansável do conformismo, da mediocridade e da hipocrisia, a música de Zappa foi muito usada pela juventude, envolvida em diversos conflitos políticos na época, o “american way of life” era um de seus alvos preferidos, bem como a Igreja, com sua moral duvidosa, e o Estado, que eram considerados por ele uma coisa só.

Turnê Joe's Garage 1980

Em 1985, Zappa foi uma das principais vozes a se levantar contra o PMRC (Parents’ Music Resource Council), organização liderada por Tipper Gore, esposa do então senador Al Gore, que acusava a indústria fonográfica de expor a juventude, através das letras das músicas, ao sexo, à violência, às drogas e ao álcool. Zappa declarou que não passava de um grupo de donas-de-casa entediadas, acusou o conselho de censura à liberdade de expressão, primeiro em uma carta aberta ao Presidente Ronald Reagan e, depois, numa série de depoimentos perante o comitê do Senado americano. E considerava que o seu trabalho contribuía para um melhor esclarecimento político das pessoas. Todo o seu trajeto foi marcado por uma simples obsessão: a expressão livre do indivíduo.

Zappa

Na ópera rock Joe’s Garage: Acts I, II e III de 1979, que conta a história do que aconteceria se a música fosse considerada ilegal, todas as canções foram escritas, arranjadas e conduzidas por Frank Zappa. Os principais temas da história falam sobre bandas de garagem, Cientologia, mas, sobretudo, a censura da música como uma forma controle do poder.

Muitos dos músicos que tocaram com Zappa, se transformaram em grandes apreços no meio musical, como foi o caso de Steve Vai, Adrian Belew, Peter Wolf, Chester Tompson e Terry Bozzio. Em Joe’ Garage, Zappa não mediu esforços em trabalhar com uma equipe grande de músicos notáveis que já tocaram com ele no passado, além de outros novos.

A música “Watermelon in Easter hay” é considerada por muitos uma das melhores e mais belas composições instrumentais já escrita na história da música. Eu concordo !

Frank Zappa (lead guitar, vocals)
Warren Cucurullo (rhythm guitar, vocals)
Denny Walley (slide guitar, vocals)
Ike Willis (lead vocals)
Peter Wolf (keyboards)
Tommy Mars (keyboards)
Arthur Barrow (bass, vocals)
Ed Mann (percussion)
Vinnie Colaiuta (drums)
Jeff (tenor saxophone)
Marginal Chagrin (baritone saxophone)
Stumuk (bass saxophone)
Dale Bozzio (vocals)
Al Malkin (vocals)
Craig Steward (harmonica)

“Keep it greasey”: http://www.youtube.com/watch?v=ly79mkffp7M

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A conversação

A Conversação
Ano de Lançamento:  1974
Direção:  Francis Ford Coppola

Atores: Gene Hackman, John Cazale, Harrison Ford, Robert Duvall

Harry Caul (Gene Hackman), expert em vigilância e conhecido nacionalmente por seu grande profissionalismo, é contratado pelo diretor de uma grande empresa para vigiar e gravar a conversa de um casal de amantes que estão em um parque. Mas no passado um trabalho dele provocou a morte de três pessoas e agora ele teme que algo parecido aconteça.

O ator Gene Hackman

a partir da gravação da conversa, Harry questiona sobre as conseqüências de sua profissão, além de que passa a envolver-se com o caso, contrariando a regra que anuncia a seu assistente: “Não interessa o que eles falam. Eu só quero gravar”.

“No trabalho não podemos ter sentimentos, nos limitamos a fazê-lo”, diz ele em outro momento.

O filme é um mergulho no drama de Harry, alguém que sabe como a privacidade é algo frágil e, por isso, torna-se atormentado. Ele conhece todas as possibilidades da tecnologia e sabe que é impossível não ser bisbilhotado. Sua paranóia é tão grande que acaba tendo uma vida vazia, não se ligando a nada e não revelando quem é e o que faz nem mesmo à sua mulher.

Fantástico

A conversa no parque mostra-se reveladora de um possível assassinato, a entonação não percebida de uma frase dita contém a informação crucial e o final da história surpreende.

Mais um filme que consegue nos hipnotizar.

Obs: este filme recebeu a “Palma de ouro” em Cannes.

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Koyaanisqatsi

Koyaanisqatsi

Direção: Godfrey Reggio

Trilha sonora: Philip Glass

Produção: Francis Ford Coppola

Ano de lançamento: 1983

Koyaanisqatsi é um documentário americano, filme mais conhecido da trilogia Qatsi, que é composta com as seqüências Powaqqatsi (1988) e Naqoyqatsi (2002).

Outra versão de capa

A trilha sonora deste documentário possui grande importância, pois o desenrolar tem a velocidade e o tom ditados por ela. Não existem diálogos e também não são feitas narrações durante todo o documentário.

O filme leva sua audiência a refletir sobre os aspectos da vida moderna que nos fazem viver sem harmonia com a natureza, bem como a pressão exercida pelas inovações tecnológicas que tornam o cotidiano cada vez mais rápido.

São apresentadas cenas em paisagens naturais e urbanas, muitas delas com a velocidade de exibição alterada, algumas mais rapidamente e outras mais lentamente que o normal, criando, com a trilha sonora, um contraste da passagem do tempo e que nos faz refletir sobre “aquilo que nos tornamos, em virtude do sistema em que criamos”.

Vida em desequilíbrio

Vários efeitos apresentados se tornaram clichês usados em outros filmes e programas de televisão.

A forma inovadora com que o documentário é apresentado fez com que muita gente não assimilasse sua essência.

A palavra koyaanisqatsi tem origem na língua Hopi e quer dizer “vida em desequilíbrio”. No final do documentário são cantadas três profecias do povo Hopi em sua própria língua, as quais têm suas traduções apresentadas antes dos créditos.

Apenas como curiosidade, podemos observar que próximo dos 37 minutos do início do filme, aparece a implosão do Edifício Mendes Caldeira, que deu lugar à Estação Sé, do Metrô de São Paulo.

Vida em desequilíbrio

Assistir este filme no cinema quando foi lançado  e o que minha memória registrou foi uma impressionante obra sonora e visual retratando de uma forma diferente o mundo em que vivemos.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=PirH8PADDgQ

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QTB

A banda QUEEN TRIBUTE BRAZIL foi formada para relembrar não só os grandes clássicos do Queen como Bohemian Rhapsody, Love of my life, We are the champions, We Will rock you e Under pressure, como também B-sides, indispensáveis a qualquer fã da banda… uma homenagem a esta eterna e mágica banda chamada QUEEN !

Teatro Santos Dumont

BLOG:

www.queentributebrazil.wordpress.com

+

COMUNIDADE:

http://www.orkut.com.br/Main#Community?cmm=96737202

King Crimson - Red

King Crimson

Red

Ano de lançamento: 1974

Red é tido como um dos melhores discos da frimeira fase do King Crimson. Em 2001 a revista Q nomeou “Red” como um dos “50 Álbuns Mais Pesados de Todos os Tempos”. Não é a toa pois Robert Fripp (guitarrista) gravou com seu timbre característico várias guitarras sobrepostas (efeito overdub), fazendo parecer que a banda tinha diversos guitarristas.

A banda em 1973

Pra mim Red representa o auge da carreira do King Crimson. Com músicos de altíssimo nível como Robert Fripp (guitarra e mellotron), John Wetton (baixo e vocais, que depois viria a participar dos grupos Uriah Heep e Asia) e Bill Bruford (bateria e percussão, ex-integrante da banda Yes), e os músicos adicionais: David Cross (violino e teclado), Ian McDonald (saxofone e teclados), Robin Miller (oboé e vários instrumentos de sopro), e Mel Collins (saxofone soprano, que tocou também no primeiro álbum solo de Chris Squire, baixista do Yes).

Destaque para as faixas “Red”, “One more red nightmare”, “Fallen Angel”, e “Starless”, esta última com um belíssimo arranjo de teclados e saxofone.

Red em turnê

Curiosidade: em 1971 o guitarrista Robert Fripp tinha um projeto em andamento junto com Jimi Hendrix para gravarem um disco, porém não foi concretizado devido ao falecimento de Hendrix naquele mesmo ano.

“Fallen angel”:  http://www.youtube.com/watch?v=FCPBK2r9agA

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1984 - George Orwell

1984

Autor: George Orwell

Ano de lançamento: 1949

Mil Novecentos e Oitenta e Quatro é um romance clássico do autor inglês George Orwell. Publicado em 1949, retrata o cotidiano de um regime político totalitário e repressivo no ano homônimo. No livro, Orwell mostra como uma sociedade oligárquica coletivista é capaz de reprimir qualquer um que se opuser a ela. A história narrada é a de Winston Smith, um homem com uma vida aparentemente insignificante, que recebe a tarefa de perpetuar a propaganda do regime através da falsificação de documentos públicos e da literatura a fim de que o governo sempre esteja correto no que faz. Winston fica cada vez mais desiludido com sua existência miserável e assim começa uma rebelião contra o sistema, o que o leva a ser preso e torturado.

Outra versão de capa

Mas não é só isso, a história envolve outros assuntos como traição, lavagem cerebral, corrupção, mensagens subliminares, tortura, domínio político, espionagem e sabotagem.

O Estado controla tanto atos como pensamentos dos cidadãos, entre outros meios, pela manipulação da língua. Os especialistas do Ministério da Verdade criaram a Novilíngua, uma língua ainda em construção, que quando estivesse finalmente completa impediria a expressão de qualquer opinião contrária ao regime, ou então que manifestasse interesses alheios e desnecessários ao estado. Lembro-me de uma frase de um dos cabeças do partido relacionada a isso que diz mais ou menos assim: “Veja Winston, em pouco tempo conseguiremos eliminar todos os adjetivos ! será um triunfo para o partido !”.

"O grande irmão te observa"

Uma das mais curiosas palavras da Novilíngua é a palavra duplipensar que corresponde a um conceito segundo o qual é possível ao indivíduo conviver simultaneamente com duas crenças opostas e aceitar ambas. Os nomes dos Ministérios em 1984 são exemplos do duplipensar. O Ministério da Verdade, ao retificar as notícias, na verdade estava mentindo. Porém, para o Partido, aquela era a verdade.

Outra palavra da Novilíngua era Teletela, nome dado a um dispositivo através do qual o Estado vigiava cada cidadão. A Teletela era como que um televisor bidirecional que ficava tanto nas ruas quanto dentro das casas, permitindo tanto ver quanto ser visto. O “fundo de tela” era a figura inanimada do líder máximo, o Grande Irmão, que devia ser adorado por todos.

Seção de adoração ao líder (Grande irmão)

Existe também o suposto  “traidor e foragido” Emmanuel Goldstein, uma figura para ser odiada por todos, pois a população precisa também de uma “válvula de escape” para soltar toda sua frustração e raiva. O próprio partido teria escrito um livro delatando toda corrupção do próprio governo, e colocado como autor o Emmanuel Goldstein.

O partido, sabendo que Winston e Julia se amam, usam um contra o outro para chantageá-los.

Uma das coisas mais surpreendentes nessa obra prima é a possibilidade do partido controlar os pensamentos dos cidadãos. Seja por tortura física ou mental, o que o partido dissesse, teria que ser verdade e acreditado.

Classes sociais (partido / outro partido / proletariado)

Orwell expõe uma teoria da Guerra, segundo ele, o objetivo da guerra não é vencer o inimigo nem lutar por uma causa. O objetivo da guerra é manter o poder das classes altas, limitando o acesso à educação, à cultura e aos bens materiais das classes baixas, ela serve para destruir os bens materiais produzidos pelos pobres e para impedir que eles acumulem cultura e riqueza e se tornem ameaça aos poderosos. Assim, o lema do partido é: “Guerra é paz, liberdade é escravidão, e ignorância é força”.

O romance se tornou famoso por seu retrato da maciça fiscalização e controle de um determinado governo na vida dos cidadãos, além da crescente invasão sobre os direitos do indivíduo. Desde sua publicação, muitos de seus termos e conceitos, como “Big Brother” e “duplipensar” entraram no vernáculo popular. O termo “Orwelliano” se tornou uma espécie de bordão para qualquer tipo de excesso ou desonestidade governamental.

Símbolo do partido

O romance é  considerado como o mais famoso de Orwell, apesar de “A revolução dos bichos” ter feito bastante sucesso também. Em 1989, Mil Novecentos e Oitenta Quatro já havia sido traduzido para mais de 65 idiomas, mais do que qualquer outro romance de um único autor. Em 2005, a revista Time listou o romance como uma das cem melhores obras de língua inglesa publicadas desde 1923.

Acredita-se que Orwell intencionalmente escolheu o título do livro como o reverso do ano em que foi escrito, para aludir à possibilidade de que os eventos do romance não estão tão distantes o quanto podem parecer; eles acontecem numa época que se assemelha muito à Grã-Bretanha do final da década de 1940.

Capa do filme

De fato, Mil Novecentos e Oitenta e Quatro é uma metáfora extremada sobre o poder e as sociedades modernas. George Orwell escreveu-o animado de um sentido de urgência, para avisar os seus contemporâneos e as gerações futuras do perigo que corriam. Percebe-se que o Grande Irmão é baseado na visão de Orwell sobre os totalitarismos de várias espécies que dominavam a Europa e Ásia na época. Stalin, também Hitler e Churchill foram algumas das figuras que inspiraram Orwell a escrever o romance.

Versões cinematográficas

O filme

O livro foi adaptado para o cinema duas vezes. A primeira adaptação foi realizada por Michael Anderson em 1956. A segunda adaptação foi feita por Michael Radford no próprio ano de 1984, trazendo John Hurt no papel principal, Suzanna Hamilton como Júlia, e Richard Burton, em seu último papel no cinema, como O’Brien.

Esta segunda versão, em especial, conseguiu a árdua tarefa de traduzir em imagens a essência do livro. A ambientação, a locação, o cenário com as ruas da cidade desoladas e degradadas, incluindo também as falas fiéis à história de Orwell e até mesmo os “sonhos e imaginações” que Winston tinha com Julia, tudo com excelentes atuações, não deixou nada a desejar em relação ao livro, se tornando também um grande filme.

Capa do álbum da trilha sonora

A trilha sonora desta versão cinematográfica, intitulada 1984 (For the Love of Big Brother), foi feita pela banda Eurythmics.

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Rush - All the world's a stage

Rush

All the World’s a Stage

Ano de lançamento: 1976

Rush é uma banda canadense de rock progressivo formada em 1968.

Desde o lançamento do álbum de estreia em março de 1974, Rush tornou-se conhecido pelas habilidades instrumentais de seus membros, composições complexas, e letras que abordam a ficção-científica e a fantasia, com assuntos humanitários e ambientais.

Rush nos anos 70

Ao longo de sua carreira, os membros foram reconhecidos como sendo alguns dos mais eficientes em seus respectivos instrumentos. Como um grupo, Rush possui vinte e quatro certificações de ouro e catorze de platina registrados. O Rush é o quarto colocado nas estatísticas de vendas de álbuns consecutivos de ouro ou platina por uma banda de rock, atrás de The Beatles, The Rolling Stones e Aerosmith.

All the World’s a Stage é o primeiro álbum ao vivo da banda, que traz um resumo das composições de seus quatro primeiros álbuns, além de um dos mais impressionantes solos de bateria de todos os tempos. Foi este solo (que escutei pela primeira vez em 1983) que me despertou o interesse pelo instrumento bateria no qual toco até hoje. Ao se ouvir, temos a impressão de que são vários bateristas tocando ao mesmo tempo, mas claro que é somente o mestre.

O lendário Neil Peart !

O disco traz uma obra prima: a música 2112, uma das minhas preferidas, que com 16 minutos de duração, sintetiza a energia da banda junto de momentos doces e agradáveis. Com letras futurísticas criadas pelo baterista Neil Peart, 2112 conta a história de  uma sociedade controlada por padres que manobram a vida dos cidadãos. Mas tudo muda para cada um em particular no dia em que acham um objeto que o liberta dessa vida alienada. A música pode ser vista como uma parábola, e o objeto encontrado pode ser interpretado de diversas maneiras.

A faixa 2112 se destaca pela qualidade técnica e lírica, mas todas as outras músicas são excelentes, formando um belo conjunto e tornando o disco indispensável.

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Solaris - Stanislaw Lem

Solaris

Autor: Stanislaw Lem (1921 – 2006)

Ano de lançamento: 1961

Outra versão de capa

Stanisław Lem foi um escritor polonês e seus livros, construídos em torno de uma visão crítica do comportamento humano, foram traduzidos em quarenta línguas e vendidos a mais de 27 milhões de exemplares. A certa época foi o autor de ficção científica mais lido no mundo.

“Solaris” é a obra mais importante e conhecida de Lem, e um dos clássicos da ficção científica do século XX. Publicado pela primeira vez em 1961, recebeu duas versões cinematográficas, a primeira, filmada no início dos anos 70, foi dirigida pelo russo Andrei

Cena do filme

Tarkowski e é considerado um clássico do cinema, porém na minha visão, por se tratar de ser baseado em um livro de ficção e ainda mais com abordagens “abstratas”, elas perdem um pouco em relação ao livro.

No romance de Lem, Solaris é um planeta que gravita entre dois sóis, cujo único ser vivo é um oceano dotado de uma inteligência superior. Ávidos por descobrirem os seus mistérios e fazerem

Capa da trilha sonora

contato efetivo com o planeta inteligente, tudo que os cientistas conseguem ao longo de um século é quase nada. O romance é protagonizado pelo psicólogo Kris Kelvin, que chega a estação para acudir os seus tripulantes, assombrados por imagens de seus próprios pensamentos, a partir das quais o oceano materializa. É o que ocorre também com Kelvin, que a recebe a “visita” da sua mulher morta por suicídio dez anos antes.

Sujeito a várias interpretações, o romance de Lem é daquele tipo conhecido como obra aberta, mas ainda assim, vê-se claramente uma crítica ao nosso desejo de dominação do outro. Como diz Kelvin: “pensamos que nada pode ficar estranho a nós”, além da curiosidade e busca pelo desconhecido.

Capa do filme

Uma obra de ficção científica envolvente,com muita dose de imaginação e criatividade influenciada pelas mais fortes tradições humanistas, a de pensadores como Tolstoy e Dostoievski.

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Testament - The Legacy

Testament

The Legacy

Ano de lançamento: 1987

Testament é uma banda Norte-Americana, formada em 1983, uma das fundadoras do movimento thrash metal ao lado de outras como Metallica, Savatage, Anthrax, entre outras.

Chuck Billy

“The Legacy” foi o primeiro álbum lançado pela banda. Este é considerado até hoje um álbum clássico pelos amantes do metal.

Os álbuns seguintes começaram a ter maior destaque na mídia, o que ajudou a banda a alcançar maior popularidade (graças também a sua competência musical).

Chuck Billy, vocalista, dono de uma voz muito potente, junto com as guitarras pesadas e a bateria precisa, criam o clima perfeito para uma das melhores bandas de metal que existe.

“The Haunting”: http://www.youtube.com/watch?v=Lg96Mh6Ub9U

“Burnt offerings”: http://www.youtube.com/watch?v=nc-I2F8ofxQ

“Alone in the dark”: http://www.youtube.com/watch?v=0hQRGVzKKBY

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Expresso para o inferno

Expresso para o inferno

Direção: Andrei Konchalovsky

Roteiro: Akira Kurosawa

Atores principais: Jon Voight, Eric Roberts, Rebecca DeMornay

Ano de lançamento: 1985

O filme começa com uma frase de Shakespeare: “Nenhuma fera é tão cruel que não conheça algum toque de piedade. Mas eu não conheço nenhuma piedade, e portanto não sou uma fera” (No beast so fierce but knows some touch of pielty. But I know none, and therefore am no beast) – Ricardo III – William Shakespeare.

Outra versão de capa

Em certa hora há o diálogo: “Você é um animal!”. E a resposta: “Não, pior… sou um Humano! Ambos somos escória… vencer… perder… Qual é a diferença?”

Expresso para o inferno foi o primeiro grande filme de ação que vi e que me impressionou pela tensão que há do começo ao fim.

Dois fugitivos de um presídio se escondem em um vagão de trem. Ele começa a andar e o maquinista sofre um ataque cardíaco, deixando os dois fugitivos desesperados a bordo do trem desgovernado e em altíssima velocidade, cortando uma região deserta em meio à neve das montanhas do Alaska, rumo a morte quase certa.

Obstinado em sua busca pela liberdade a qualquer custo, um dos fugitivos tenta de todas as formas frear o trem. Em meio a tudo isso, os dois se desentendem, o diretor do presídio persegue eles e os funcionários da base de controle do trem, desesperados tentam uma solução para que ele não se choque, aumentando ainda mais a tensão do filme.

Jon Voight !

Uma idéia original e inteligente do mestre Akira Kurosawa com direção segura e excelentes atuações de Jon Voight e Eric Roberts. Aliás, este é um dos poucos filmes em que Voight atua como “vilão”, e está simplesmente arrasador. O final figura uma surpresa totalmente inesperada, que foge aos padrões das histórias tradicionais dos filme de ação. Realista, calculista e sóbrio, não há espaço para maquilagens que mascaram a verdade.

Ação !

Comparado com a natureza onde o filme foi rodado e o “gigante de metal”, o homem se torna insignificante. Enfim, está aí mais que um excelente filme ! Emocionante !

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Supertramp - Even in the quietest moments

Supertramp

Even in the Quietest Moments

Ano de lançamento: 1977

Supertramp é umas bandas britânicas daquelas que não há comparações, que fez diversas canções de sucesso como Logical song, Dreamer, schooll, Give a litlle bit, Breakfast in América, It’s raining again e My kind of lady; nos anos 70 e 80.

Even in the Quietest Moments é o quinto álbum da banda, lançado em 1977. Pouco depois do lançamento, ganhou o primeiro disco de ouro da banda, com 500 mil cópias vendidas, graças ao single de sucesso “Give a Little Bit”, que alcançou o Top 20 na parada de singles norte-americana. A música “Fool’s overture” também ficou conhecida através de sua execução nas rádios. Com 11 minutos de duração, ela é considerada um épico do rock progressivo, alterna momentos maravilhosos de piano e voz com toda instrumentação de peso da banda.

Paris (ao vivo) 1980

Este álbum se diferencia de todos os outros do Supertramp por ser o único em que o piano elétrico Wurlitzer, característico da banda, não é utilizado em nenhuma das faixas. O disco é cheio de melodias agradáveis harmoniosas de grande sutileza. Na música” Downstream” podemos apreciar um momento belíssimo onde há somente piano e a voz de Rick Davies. “Babaji” e a faixa título “Even in the quietest moments” são outras duas músicas extraordinárias na voz de Roger Hodgson, que exploram os mais belos recursos dos instrumentos que utilizam.

Outros álbuns de notável destaque são: “Crime of the century” de 1974, “Breakfast in américa” de 1979 e “Famous last words” de 1982.

Vídeo da Fool’s overture c/ de Roger Hodgson & orquestra

http://www.youtube.com/watch?v=6aWDxuhD0FI

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Stephen King - Conta Comigo

Conta comigo

Autor: Stephen King

Conto pertencente ao livro “As quatro estações”

Lançado em 1982

Stephen King

Stephen King é um escritor norte americano, reconhecido como um dos mais notáveis escritores de contos de horror fantástico e ficção de sua geração. Seus livros foram publicados em mais de 40 países e muitas das suas obras foram adaptadas para o cinema.

Embora seu talento se destaque na literatura de horror, escreveu algumas obras de qualidade reconhecida fora desse gênero e cuja popularidade aumentou ao serem levadas ao cinema, como nos filmes “Eclipse Total, À Espera de um Milagre, Lembranças de um Verão, Conta Comigo, Um Sonho de Liberdade” (os 2 últimos retirados do livro As Quatro Estações).

Uma das mais conhecidas adaptações de um de seus contos para o cinema foi “O Iluminado”, dirigido pelo célebre Stanley Kubrick, em 1980, com Jack Nicholson no papel principal.

Adaptação para o filme

Conta Comigo também foi adaptado para o cinema (lançado em 1986, com direção de Rob Reiner), se tornando um dos mais belos filmes de aventura que trata de questões importantes como amizade, companheirismo e “que raios de animal é o Pateta?”. O filme conseguiu captar a essência do livro, inclusive com detalhes que ajudam a enriquecer ainda mais a história.

Conta Comigo é a história de Gordie Lachance, um escritor que recorda sua adolescência no verão de 1959, quando vivia em Castle Rock, Oregon. Gordie tinha três amigos inseparáveis: Chris Chambers, Teddy Duchamp e Vern Tessio. Chris era o líder natural deste pequeno grupo, mas a família dele não era boa e todo mundo sabia que ele ia se dar mal na vida, inclusive ele. Teddy era emocionalmente perturbado, pois o pai tinha acessos de loucura e se Gordie era o intelectual do grupo, Vern era o mais infantil, mas foi ele quem veio com a notícia que iria modificar a vida dos quatro.

Os 4 personagens principais

Tentando achar um vidro cheio de moedas que tinha enterrado, Vern ouviu por acaso um conhecido falando onde estava o corpo de um garoto da idade deles que tinha ido colher amoras há três dias e nunca mais tinha sido visto. Chris e Teddy queriam achar o corpo (o nome original do conto é “The body”), pois vislumbravam a possibilidade de se tornarem heróis. Cada um deu uma desculpa em casa e partiram para tentar encontrar o corpo. Nenhum deles tinha idéia que esta viagem se transformaria em uma jornada de auto descoberta que os marcaria para sempre.

Uma história marcante criada com muita sensibilidade e talento.

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Yes - fragile

Yes

Fragile

Ano de lançamento: 1971

Fragile é o quarto álbum da banda britânica de Rock progressivo Yes.

A música “Roundabout”, que foi lançada em uma versão na forma de single e se tornou o primeiro grande sucesso da banda. Este disco deu início a duas longas parcerias: com o tecladista Rick Wakeman e com o artista plástico Roger Dean (criador dos desenhos das capas e do logotipo da banda).

Diferente dos discos anteriores do Yes, este disco apresenta os talentos individuais dos membros da banda. Isso foi feito para poupar o tempo de gravação e lançar o disco rapidamente, já que a banda precisava de dinheiro para pagar o equipamento de Wakeman.

“Cans and Brahms” é uma composição de Johannes Brahms, arranjada pelo tecladista Rick Wakeman; “We Have Heaven” é uma composição do vocalista Jon Anderson onde canta todas as partes vocais sobrepostas uma às outras, criando várias harmonias, enquanto “Five Per Cent For Nothing”, “The Fish” e “Mood For A Day” são do baterista Bill Bruford, baixista Chris Squire e guitarrista Steve Howe, respectivamente. O restante das músicas são composições de toda a banda.

Neste disco o Yes conseguiu registrar toda técnica de seus virtuosos membros fazendo um som inovador e interessante. É um prato cheio para quem curte rock progressivo, ou melhor, música de qualidade.

Um dos palcos do Yes

Assim como a grande capacidade criativa da banda, a capa não foge a esta virtude, apresenta um pequeno planeta, onde na contra-capa este planeta começa a se despedaçar, e sua população parte em uma aeronave de madeira.

A estrutura do palco do Yes também era projetada por Roger Dean, onde continham ornamentos estilizados em fibra de vidro muitas vezes com iluminação por dentro.

“Heart of sunrise”: http://www.youtube.com/watch?v=BsRdT9hwqGs

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Pink Floyd - Animals

Pink Floyd

Animals

Ano de lançamento: 1977

É um álbum conceitual, que faz lembrar o famoso livro de George Orwell “A Revolução dos Bichos”.

Apesar de não ser um disco considerado “comercial” do Floyd, animals atingiu o 3º lugar nas tabelas da Billboard em 1977 chegando a disco de ouro e disco de platina.Vendeu 7 milhões no mundo inteiro e é presentemente listado como quádruplo platina pela RIAA.

O porco inflável gigante que aparece na capa do álbum foi posto a voar sobre a central eléctrica de Battersea, depois se perdendo pelos céus de Londres…

Porco inflável

Ao longo das três músicas principais, todas elas com mais de 10 minutos de duração Roger Waters equivale os humanos a cada uma das três espécies de animais: cães (Dogs), porcos (Pigs), e carneiros (Sheep). Os cães são usados para representar os homens de negócios megalomaníacos que acabam por serem arrastados pela própria pedra que atiraram. Os porcos representam os políticos corruptos e os moralistas (com referências diretas a Margaret Thatcher e a Mary Whitehouse). Os que não se enquadram nestas duas categorias são carneiros, que sem pensamento próprio, seguem cegamente um líder.

As três faixas centrais são intercaladas por um par de canções de amor escritas por Waters para a sua mulher na época, Caroline: “Pigs on the Wing” partes 1 e 2. A mesagem destas duas músicas é de que enquanto duas pessoas se amarem, podem proteger-se dos males do mundo referidos nas três músicas do meio.

Pink Floyd em 1973

A música Dogs é uma verdadeira obra de arte, muito cultuada pelos fãs de Pink Floyd e do Rock progressivo. Criada por Roger Waters e David Gilmour, há uma interação muito boa entre os 4 músicos, com solos de guitarras viajantes, multi-teclados, e vozes dos 2  músicos; fechando com um “grand finale” .  Na segunda parte da música, Waters refere-se a si mesmo como sendo um cão. “Dogs”: http://www.youtube.com/watch?v=1HxHwuiDPgk

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Um dia de cão

Um dia de cão

Direção: Sidney Lumet

Atores principais: Al Pacino, John Cazale

Ano de lançamento: 1975

Numa tarde quente no Brooklyn, dois amigos planejam roubar um banco. Porém eles são totalmente leigos no assunto, e o resultado é um desastre total, considerando que tiras, curiosos, câmeras de TV e o entregador de pizza chegam todos ao mesmo tempo enquanto eles se encontram dentro do banco fazendo os funcionários de reféns. O golpe acaba virando um “circo”.

Al Pacino

Al Pacino e o diretor Sidney Lumet, que trabalharam juntos em Sérpico, estão de volta neste tempestuoso suspense de ação indicado para seis Oscar® (incluindo melhor filme) e vencedor pelo roteiro. Baseado numa história real, Um Dia de Cão é um filme tenso do começo ao fim, um grande clássico das telas.

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Van Halen - 1984

Van Halen

1984

Ano de lançamento: 1984

Último disco do Van Halen com David Lee Roth nos vocais, se tornou uma referência de clássico do Heavy metal.

Tem uma energia muito boa, os timbres e a equalização também estão perfeitos.

Foi neste disco que começaram a usar o teclado como apoio em algumas músicas,  caindo como uma luva, sem tirar a potência e agressividade das guitarras.

Alex Van Halen, baterista, toca de maneira esplendida, com solidez e precisão.

Van Halen

O trabalho alcançou a 2ª posição no mercado norte-americano (permanecendo por 77 semanas no Top 100), obtendo disco de ouro, platina, multi-platina (5 vezes) e diamante.

A música mais conhecida deste disco é “jump”, porém todas as outras merecem destaque.

“Panamá” e “House of pain” são 2 das mais brilhantes que VH já gravou.

“House of pain”: http://www.youtube.com/watch?v=lyDH4DZ-qJY

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O inquilino

O Inquilino

Direção: Roman Polanski.

Atores principais: Roman Polanski, Isabela Adjani,  Jo Van Fleet , Bernard Fresson.

Ano de lançamento: 1976

Roman Polanski além de dirigir o filme, também interpreta Trelkovsky, um polonês que se muda para a França, aluga um apartamento em um estranho e antigo edifício residencial, onde seus vizinhos (na sua maioria velhos reclusos), o observam com um misto de desprezo e suspeita. Ao descobrir que a última inquilina do apartamento era uma mulher jovem que cometera suicídio ao pular da janela, Trelkovsky gradativamente fica obcecado com a mulher morta. A obsessão e o clima do local, mesclado com o comportamento incomum dos vizinhos, faz Trelkovsky se convencer de que seus vizinhos planejam o enlouquecer.

Polanki, renomado diretor cinematográfico polonês, fez filmes de grande repercussão como O bebê de Rosemary (1968), Chinatown (1974), Os piratas (1986), Busca frenética (1988), Lua de fel (1992), O pianista (2002). Recebeu diversos prêmios da academia.

Polanski em "O inquilino"

Em “O inquilino” conseguiu criar uma atmosfera sombria com o suspense que a história exige (baseado no romance de Roland Torpor), com o chamado “terror intrínseco, ou implícito” (assim como há também no filme “O bebê de Rosemary”).

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Queen II

Queen II

Ano de lançamento: 1974

Dizem que este disco faz parte da coleção “1001 Discos Para Ouvir Antes de Morrer…” Bem, eu concordo!

Segundo álbum da banda, não foi tão divulgado como deveria. Se trata de um dos melhores discos do Queen, onde Freddie Mercury explora de maneira magnífica toda sua versatilidade nos vocais, especialmente na música “The march of the black queen” e “Nevermore”, onde sobrepõe sua voz criando um efeito de coral, assim como Brian May com sua técnica de sobreposição de guitarras, aliado ao timbre único e característico que possui, criando um clima sinfônico para as bases das músicas.

Freddie Mercury em 1985

Nessa época ainda não usavam teclados nem sintetizadores, e sim piano (tocado por Freddie Mercury) com influência erudita. Este disco é comparado ao “Sgt Peppers” dos Beatles e ao “The dark side” do Pink Floyd pela qualidade, consistência e criatividade inovadora na época em que foi feito.

“The fairy-fellers master stroke / nevermore”: http://www.youtube.com/watch?v=N73NdiH0cBk

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Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock (1899 – 1980)

Cineasta anglo-americano considerado o mestre de filmes de suspense, sendo um dos mais conhecidos e populares realizadores de todos os tempos.

Hitchcock contava a história da maneira mais cativante possível.

Fez mais de vinte filmes tornando-se uma marca registrada no gênero suspense por sua genialidade em se preocupar com todos os detalhes que envolvem a história.

Uma  das características nos filmes hitchcockianos pode ser descrita pela ansiedade do espectador, que aumenta pouco a pouco enquanto o personagem não tem consciência do perigo. São apresentados dados ao telespectador que o personagem do filme não sabe, criando uma tensão no espectador em saber o que acontecerá quando o personagem descobrir.

A obra de Hitchcock engloba invenção cinematográfica, inovação e referências no campo.

Alguns de seus grandes filmes:

Festim diabólico

Festim diabólico (1948)

Dois amigos matam um colega da escola, apenas para terem a sensação de praticar um assassinato e provar que conseguem realizar o crime perfeito. Para desafiar os amigos e a família, resolvem convidá-los para uma reunião no apartamento deles, onde colocam a comida em cima de um baú e dentro do mesmo está o corpo da vítima.

O filme se passa todo dentro de um apartamento e a ação ocorre em “tempo real”, durando exatamente o coquetel. Para conseguir tal proeza, que animou a crítica e o público, Hitchcock terminava cada bobina de filme numa imagem fixa, que permitisse a continuação sem a impressão do corte, como focalizando as costas dos personagens. O crime é mostrado na primeira seqüência do filme e toda história se baseia na tensão sobre a possível descoberta do assassinato durante a festa. Hitchcock criou um suspense único: dificilmente se encontra uma narrativa igual a esta no cinema.

Pacto sinistro

Pacto Sinistro (1951)

Pacto Sinistro mostra um encontro casual num trem entre dois jovens, um deles propõe uma “troca”, um mata o desafeto do outro, e como ninguém sabia que os dois se conheciam, seria o crime perfeito, pois não se desconfiariam nem de um nem do outro, e ficariam livres sem os empecilhos de suas vidas. O final no parque de diversões, mais especificamente no carrossel, é de tirar o fôlego.

Disque M para matar

Disque M para matar (1954)

Um ex-tenista profissional decide matar sua mulher, para poder herdar seu dinheiro e também como vingança por ela ter tido um affair. Ele chantageia um colega de faculdade para estrangulá-la, dando a entender que o crime teria sido cometido por um ladrão.

O crime é detalhadamente explicado e ensaiado antes de ocorrer, causando um raro momento de deleite intelectual ao espectador.

Janela indiscreta

Janela indiscreta (1954)

Um fotógrafo profissional, está confinado em seu apartamento por ter quebrado a perna. Como não tem muitas opções de lazer, vasculha a vida dos seus vizinhos com um binóculo, quando vê alguns acontecimentos que o fazem suspeitar que um assassinato foi cometido.

Como em todo filme de Hitchcock, nos hipnitiza pelo clima de extremo suspense.

O homem que sabia demais

O homem que sabia demais (1956)

Durante suas férias no Marrocos, um médico e sua família se envolvem acidentalmente em uma trama internacional de assassinato, quando um dos envolvidos fala ao ouvido do médico algumas palavras. Para impedi-lo de denunciar a trama à polícia, os conspiradores resolvem então seqüestrar seu filho.

Psicose

Psicose (1960)

Esse é um de meus preferidos. Não vou falar muito, senão vou acabar tirando a surpresa do filme.

Somente um comentário que pode talvez resumir o clima do filme: Quando a protagonista chega ao afastado e sombrio Hotel, o rapaz que a atende diz: “Somente as pessoas que erram o caminho chegam aqui”, ou seja, uma real e apavorante metáfora.

O final é de arrepiar. Não deixe de ver!

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Frank Zappa - One size fits all

Frank Zappa

One Size fits all

Ano de lançamento: 1975

Esta foi a última formação da banda de Zappa  considerada como “The Mothers of Invention”, incluindo os músicos George Duke, Chester Thompson e Johnny “Guitar” Watson.

O Álbum em si apresenta um Zappa mais complexo e requintado, além de ter uma das melhores equalizações que já ouvi, conseguimos ouvir todas as timbragens nitidamente, os tons mais graves dos teclados e baixo são simplesmente avassaladores. Vale destacar também os arranjos de vozes para o que chamamos de “coral”, em diversas músicas.

Frank Zappa

Na hora do solo da faixa “San Ber’dino” eles fazem um groove tão frenético que é de dar inveja a qualquer banda de jazz-rock.

Zappa lançou inúmeros discos, mas este, juntamente com o “Joe’s garage” de 1979 são os dois que considero os melhores.

“inca roads”: http://www.youtube.com/watch?v=Kg6X2hsl52E

“Andy”: http://www.youtube.com/watch?v=1xTynHGqxcQ

“San Berdino”: http://www.youtube.com/watch?v=y87px1zcYYk

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Amargo pesadelo

Amargo pesadelo

Direção: John Boorman

Atores principais: Jon Voight e Burt Reynolds

Ano de lançamento: 1972

Excelente filme realista e dramático com atores em seu auge da carreira.

Quatro amigos decidem descer de canoa um rio das florestas da Geórgia antes que toda a região se transforme em uma represa. Depois de advertências dos habitantes locais, um deles participa de um Duelo de Banjos com um menino mudo e então eles iniciam a viagem.

Jon Voight e Burt Reynolds

Inicialmente se maravilham com a beleza da natureza e a emoção inicial das correntezas. No entanto, no dia seguinte, as coisas começam a tomar outro rumo, envolvendo os  estranhos habitantes da região. O clima vai ficando cada vez mais tenso na medida em que o filme se passa, e o clímax acontece quando eles começam a ser atacados.

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Roger Waters - The Pros and Cons of Hitch Hiking

Roger Waters

The Pros and Cons of Hitch Hiking

Ano de lançamento: 1984

Álbum solo conceitual de Roger Waters que conta com a participação de várias celebridades durante a gravação, entre elas, o produtor Michael Kamen, o ator Jack Palance, o saxofonista David Sanborn e o guitarrista Eric Clapton.

O álbum ganhou disco de ouro em 1995, pela RIAA, com 500 mil cópias vendidas.

Roger waters foi um dos membros fundadores do Pink Floyd, no qual fez parte até 1983.

Em 1978 idealizou 2 projetos: o “The Wall” e o “The pros and cons”. Apresentou as 2 opções aos outros membros do Pink Floyd, que escolheram o “The  wall”, lançando o mesmo no ano seguinte.

Após 6 anos Waters concretizou o projeto “The pros and cons”.

Roger Waters

Considerado um gênio da música, Waters tem o dom de compor belíssimas melodias com letras de teor e conteúdo sociais. Foi o responsável pela maioria das composições do Pink Floyd como The dark side of the moon, The Wall e Animals.

The pros and cons é um disco bem parecido com o The final cut, último que fez com o Pink Floyd em 1983. Destaque para os solos “rasgantes” de saxofone e guitarra. Traz muita energia e toda sensibilidade de um artista que admiro muito.

“Running shoes”: http://www.youtube.com/watch?v=unS0CXRMieA

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Elis Regina

Elis Regina Carvalho Costa

(1945 – 1982)

Pra mim foi a melhor cantora que o Brasil já teve, e está entre as melhores do mundo.

De morte trágica e prematura, deixou vasta e brilhante obra na música popular brasileira. Foi apelidada por Vinícius de Moraes de Pimentinha.

É considerada por boa parcela de músicos e público como uma das maiores cantoras de todos os tempos da MPB.

Já em 1968, conquistou grande sucesso com sua apresentação no Olympia de Paris, onde se tornou a primeira artista a se apresentar duas vezes num mesmo ano, naquela que é a mais antiga sala de espetáculos musicais de Paris.

Foi Elis quem também lançou boa parte dos compositores até então desconhecidos, como Milton Nascimento, Renato Teixeira, Tim Maia, Gilberto Gil, João Bosco e Aldir Blanc, Sueli Costa, entre outros. Um dos grandes admiradores, Milton Nascimento, a elegeu musa inspiradora e a ela dedicou inúmeras composições.

Possuía uma técnica nata com domínio total de ritmo, timing, potência, suavidade e um feeling extremamente requintado. Em qualquer uma de suas canções podemos perceber claramente isso. Seu repertório era escolhido cuidadosamente no qual permitia a ela colocar sua marca registrada na interpretação.

Elis - Montreux Jazz Festival

Montreux Jazz Festival  (1979)

Escolhi indicar este disco (existe esse show em DVD) porque Elis mostra toda sua versatilidade e garra com canções que exigem fôlego e muita sensibilidade com um repertório que abrange boa parte de sua carreira como Ponta de areia, Maria Maria, Garota de Ipanema, Asa Branca, Águas de março, entre outras.

Elis se entregava de corpo e alma em tudo que fazia, e especialmente naquilo que foi sua paixão em vida, a música! Elis é e sempre será eternizada como um marco na música brasileira e universal.

“Medley”: http://www.youtube.com/watch?v=6TMj7EN60aU

“Canção do sal”: http://www.youtube.com/watch?v=GSnscWUzxzI

“Corsário”: http://www.youtube.com/watch?v=gV3nkSjOZZw

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Vangelis - Mask

Vangelis

Mask

Ano de lançamento: 1985

Vangelis é um compositor grego que explora sons eletrônicos. Ficou mais conhecido com a trilha sonora do filme Carruagens de fogo. Na década de 80 fez alguns discos com Jon Anderson (vocalista do Yes).  Mask é um disco atípico em relação aos outros que compôs, tem uma característica “operística”, digno de uma obra de arte.

Vangelis

Sozinho ele sobrepõe diversos sintetizadores simulando os instrumentos de música erudita,  e com apoio de um coral e cantores líricos cria uma atmosfera de estilo clássico magnífico. Imperdível.

“Mov. 1 from Mask”: http://www.youtube.com/watch?v=ywj9Chme6C8

“Mov. 6 from Mask”: http://www.youtube.com/watch?v=fC3h3Lr7WjQ

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Edgar Allan Poe

Edgar Allan Poe

Escritor, poeta e romancista norte americano

Viveu de 1809 a 1849

Poe é considerado, juntamente com Jules Verne, um dos precursores da literatura de ficção científica e fantástica modernas. Algumas das suas novelas, como Os Crimes da Rua Morgue, A Carta Roubada e O Mistério de Maria Roget, figuram entre as primeiras obras reconhecidas como policiais, e, de acordo com muitos, as suas obras marcam o início da verdadeira literatura norte-americana.

Contos como O corvo, O barril do amontillado, O poço e o pêndulo, O retrato Oval, Um sonho dentro de um sonho, A queda da casa de Usher, O caso Valdemar são exemplos da grandiosidade de um mestre de personalidade forte e única.

O relato de Arthur Gordon Pym

O Relato de Arthur Gordon Pym

Descreve os detalhes de um motim e de uma carnificina atroz, a bordo do brigue norte-americano “Grampus” a caminho dos Mares do Sul, no mês de junho de 1827. Com a descrição da retomada da embarcação pelos sobreviventes; seu naufrágio e a fome horrenda que passaram; seu resgate pela escuna inglesa “Jane Guy”; o breve cruzeiro da mesma pelos Mares Antárticos; sua captura e o conseqüente massacre da tripulação, num arquipélago do Paralelo 84, Latitude Sul, além das incríveis aventuras e descobertas, ainda mais ao sul, que a cruel calamidade ocasionou.

Um livro quase sob encomenda. Poe leu o texto original de Pym, que depois se cansou de escrever. Poe então sugeriu que ele mesmo continuasse a história, acrescentando algumas pitadas de ficção.

Como em qualquer livro de Poe, a leitura prende o leitor, que se envolve num clima de mistério, drama e suspense.

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DEAD MAN - Filme de Jim Jarmusch

DEAD MAN

Filme de: Jim Jarmusch

Ator principal: Johnny Depp

Ano de lançamento: 1995

Brilhante filme cheio de referências ao poeta Willian Blake.

Dead Man conta a história da viagem física e espiritual de um jovem, num território hostil e selvagem. William Blake (Johnny Depp) viaja para as mais longínquas fronteiras do oeste americano, perdido, gravemente ferido e, perseguido por pistoleiros, encontra um nativo americano chamado “Ninguém”. Belíssimo road movie do oeste, com características

Gary Farmer e Johnny Depp

existencialistas e ritmo hipnótico, moldurado por paisagens deslumbrantes e atemporal. Dead Man, tornou-se uma obra-prima por re-inventar um gênero, que já tinha sido explorado a exaustão, um western sensível, misterioso e filosófico.

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PHILIP GLASS - Songs from liquid days

PHILIP GLASS

Songs from liquid days

Ano de lançamento: 1986

Philip glass é um compositor americano conhecido pelas trilhas sonoras que compõe. Sua obra mais conhecida é a trilha feita para o filme Koyaaniskatsi (um dos grandes marcos do cinema contemporâneo).

O “Songs from liquid days” é um dos discos que mais gosto, uma obra prima que concilia seus diversos sons de teclados com a perfeição das potentes e suaves vozes líricas.

A letra de cada música foi composta por um compositor diferente, como Paul Simon, David Byrne e Suzane vega, e cantada cada uma por um vocalista lírico diferente.

“Changing opinions”: http://www.youtube.com/watch?v=1irfiYgf2pA

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